Jazz, Funk & Soul

Altair & Vega

2012-01-24T21:07:00.004+01:00

Espectacular, así es como definiría al disco de uno de mis pianistas favoritos y del que tengo montones de discos, Bob James; con una casi desconocida en mi discografía, Keiko Matsui, por la que nunca he acabado de tener especial dedicación debido al exceso de new age que hay en su sangre. Así que podréis imaginar que el culpable de que me hiciera esta vez con el disco ha sido lógicamente al pianista americano. Y no podría estar más feliz aunque no haya mucho Jazz dentro del plástico material. Esta clase discos son siempre una apuesta. Uno decide que su artista no le decepcionará y lo compra con los ojos cerrados, y al menos en mi caso, sin escuchar antes de qué va el asunto. Algunas veces las mezclas raras salen mal pero en este caso el Jazz contemporáneo de Bob James mezclado con el new age de la japonesa ha creado un todo excepcional. Y es que se nota que entre estos dos intérpretes ha habido mucha música y muchos conciertos juntos durante muchos años y eso queda reflajado en Altair & Vega.

Manteniendo las distancias, el proyecto Altair & Vega tiene ciertas similitudes con aquella otra joyita de Bob James de 2001, el Dancing On The Water. Ya digo que este proyecto tiene un aire sin ser exactamente igual, pero en ambos discos James no se rodea de una banda como suele ser habitual para interpretar los temas sino que se centra en el piano/teclados prácticamente en exclusiva pero siempre con Keiko Matsui, ya sea cada uno al mando de un teclado o los dos en el mismo tocando a cuatro manos. El genial Dancing On The Water, en cambio, mantenía la estructura del piano pero más orientado al dúo. Por eso en aquel disco Bob James se juntó con Chuck Loeb, Joe Sample, Dave Holland e incluso con la misma Keiko, siendo un aperitivo de lo que llegaría diez años más tarde.

A pesar de los escasos siete temas, cosa que hoy día ya casi debería estar prohibida para un artista con nuevo lanzamiento con la que está cayendo a nivel de piratería, pero el disco es impecable en todos los aspectos. Aunque siete temas son muy pocos temas, la discográfica se dicidió a vender este disco con un DVD de "regalo" con seis temas más en directo. De los seis temas hay dos nuevos, una versión de Duo Oto Subito que ya incorporó James en Dancing on the Water, y tres temas en versión directo del propio Altair & Vega. Aprovechando que el DVD es en directo, he ripeado ese vídeo y he extraído el audio para poder llevarlo en el iPod de arriba a abajo junto a los temas de estudio y disfrutar así del directo que de otra forma no disfrutaría, ya que no suelo ser amante de ver conciertos en la tele.

Y sí, siete son pocos, pero al menos la calidad es excepcional como era de esperar. Empezando por la nueva versión de Altair & Vega, donde los dos músicos comparten el teclado del piano y en el que al tema le dan un toque más melódico de lo que ya lo era en su versión del Dancing On The Water. Aunque para melódico el sonido de Frozen Lake. Se nota rápidamente que es una composición de Matsui, pero la verdad es que el sentimiento que le dan los dos músicos me encanta y me relaja a partes iguales. Aquí cada uno se sienta en teclados diferentes aportando James las tonalidades del piano eléctrico. La originalidad del disco recala en piezas como Divertimento "The Professor & The Student". Un temazo. Me parece pura música clásica, casi barroca, que es de nuevo interpretado a cuatro manos en un mismo piano y en el que el profesor, James, desde luego se divierte con la aventajada estudiante, Matsui.

Otra de mis piezas preferidas del disco es Midnight Stone, que lleva desde luego el sello Keiko de nuevo. Francamente podría ser uno de esos temas melancólicos de los abundan en la música new age y que te dan ganas de tirarte a la vía del tren, pero la verdad es que en este caso el piano de los músicos no me lleva a esa clase pensamientos y simplemente me relaja y me encanta escucharlo una y otra vez. Invisible Wing es otro temazo de Keiko que no te deja indiferente por su dramatismo y su lírica. Aunque sin duda el punto álgido del disco se encuentra en un tema de trece minutos que es pura poesía musical. Es impactante y sencillamente brutal. Basado en el tema original de Keiko Forever Forever, el Forever Variations es una amalgama de estilos que forman en perfecta compenetración musical. Clásica, new age y Jazz en estado puro y a cuatro manos. Así sí da gusto gastarse el dinero en un disco y no piratearlo.

Y el disco termina de la mejor manera, con un tema de Bach que cuando uno llega a este punto de la partida está muy acorde con lo escuchado hasta el momento. En fin, teniendo en cuenta que con Altair & Vega llego a los 16 discos del músico americano, en este blog era de justicia hacer alguna referencia a la música de Bob James, uno de mis pianistas de referencia con una de las mejores carreras musicales de la historia de la música. No muchos pueden abrir la boca tras 50 en el negocio de la música y seguir dejándonos a todos con la susodicha abierta. James sigue estando en plena forma y sigue mantiendo a la audiencia, y eso no lo pueden decir muchos otros, en constante tensión sobre qué será lo siguiente. A veces simplemente Jazz clásico, otras Jazz contemporáneo, algunas veces sólo piano, otras veces a cuatro manos, pero siempre siempre una música de calidad y genial para sentarse y dejarse rodear por el sonido que producen esos diez dedos que Dios le ha dado.

J. Coltrane

Marcin Wasilewski Trio en Barcelona

2011-11-16T21:02:00.001+01:00

Pues ésta ha sido una noche de trío. Bueno, de chaparrón musical y de agua y de trío. Pero no de uno de esos guarros de mete y saca, no, hoy la cosa iba de música, de la buena, de la de sacarse el sombrero y de la de pellizcarse para asegurarse a uno mismo que lo que está viendo no es un sueño, sino que la gente que tienes frente a tus ojos dale que te pego con sus instrumentos sabe lo que se hace y además lo hace de cine. El trío en cuestión, el del Marcin Wasilewski, ha sido para el que suscribe una de las grandes sorpresas de la edición número 43 del Festival Internacional de Jazz de Barcelona que, una vez más, está siendo bastante pobre en lo que a cartel se refiere.

Recuerdo perfectamente el momento en que escuché por primera vez la música de Marcin Wasilewski. Fue en París. Andaba yo por la capital del país vecino tras una jornada de training en la empresa que recién estrenaba cuando entré en la FNAC de los Champs Elysees a ver qué se cocía en aquel lugar. Al acercarme a la zona de Jazz escuché las notas del piano de Wasilewski de su disco January. Me dejó en estado de concentración máxima, así que dejé correr un poco el tema y me llevé el disco convencido de que aquel iba a ser una de mis pequeñas maravillas musicales. Y así fue, Januery era genial, y por ese motivo me compré al cabo de un tiempo Trio, el primer disco para ECM y por tanto editado a nivel mundial.

Así pues, el pianista polaco apareció con unos minutos de retraso sobre el escenario de Luz de Gas y tardó nada menos que cuarenta minutos en decir esta boca es mía. Una vez más la cutre discoteca en la que nunca te dejan entrar si no estás un rato buena y a poder enseñas carne fue el lugar elegido para tan magno concierto. Y una vez más salí pensando que parece mentira que una ciudad como la nuestra no tenga un espacio de calidad y de tamaño reducido donde escuchar música y con una buena acústica en el que, ya de paso, uno no tenga que oir cómo el camarero de la barra de atrás sirve una copa, se intenta ligar a la camarera o se le rompe una vaso de cristal. En fin, sea como sea, la disposición del trío en el escenario fue la correcta y éste quedó bañado por una luz entre azulada y morada a la espera de que sonaran las primeras notas.

El trío salió serio y rápidamente pudimos apreciar todos que entre Marcin Wasilewski y, por ejemplo, Richard Clayderman hay varios mundos de distancia y una duda razonabe en lo que al asesinato por motivos humanitarios se refiere. Empezando con que uno tiene una calva reluciente y el otro unos pelos de miedo, y siguiendo con que mientras Clayderman te duerme con sus fraseos azucarados y en extremo melódicos, Wasilewski se adentra en complicados y ricos caminos sobre los que se mueve como pez en el agua acariciando las teclas del piano, y casi se diría que hasta mimándolas, acercándose a ellas en posturas imposibles para mirarlas de cerca, de tú a tú, con una sutileza admirable y sin ataques excesivamente exagerados para crear un ambiente que me dejó impresionado sencillamente porque eso no es fácil con sólo tres instrumentos y ninguno de ellos electrónico.

Lo que también me dejó impresionado es cómo se las gasta el amigo en lo que a genio se refiere. Quizás fue la nota curiosa de la noche. En un momento del concierto, mientras arrancaba un íntimo tema sin acompañamiento, fue objeto de un fusilamiento sin compasión por parte de dos fotógrafos que se acercaron a la primera fila de la platea a inmortalizarlo tocando. Yo, como estaba cerca, pude oír claramente los infinitos clicks de las cámaras, y claro, el pianista también, y no le hizo ni puñetera gracia que le distrajeran en medio de un solo. Así que se giró a la vez que tocaba y dirigió una mirada que, si mataran, hubiera acabado con el dúo de fotógrafos en el acto. Y ellos siguieron click click. De nuevo se giró sobre ellos aún más cabreado y entonces éstos, con cara de tierra trágame, pillaron la indirecta y dejaron de disparar hasta mejor ocasión.

He visto muchos pianistas de fraseo mucho más rápido que el que nos ocupa, como por ejemplo Cyrus Chestnut, que recuerdo que me dejó con la boca abierta por la velocidad a la que tocaba. Quizás porque Wasilewski ha bebido de distintas fuentes más clásicas en vez de otras más Jazz y góspel, pero el polaco crea una música íntima y atmosférica, por lo que contiene el ritmo hasta que lo explota y entonces te das cuenta que si quiere puede acceder a terrenos muchos más complicados y intrincados todavía. Pero su intención es claramente la de crear un ambiente en el que sentirse cómodo. En su mayoría juega con las teclas de las octavas medio altas mientras que las bajas las olvida casi por completo. Centrándose en dos o tres octavas en su mayor tiempo es como logra crear una atmósfera en el que su base rítmica tiene mucho que ver.

Tanto Slawomir Kurkiewicz y Michal Miskiewicz, músicos de nombre impronunciable si no has vivido desde pequeño en Varsovia, exploran al máximo los sonidos que sus instrumentos les permiten. El bajo acústico o con el arco y la batería, que es golpeada en todas las maneras posibles: con baquetas, con mazas o con escobillas. Todo siguiendo el patrón de calidad que marca Wasilewski. Un patrón que por otra parte te apetecería escuchar una y otra vez porque es pura música con sello ECM y tiene esa sonoridad tan típica de la discográfica germana. Incluido el disco que estaba promocionando, Faithful, que como viene siendo norma me compré al finalizar el concierto para irlo degustando en casa sin prisa pero sin pausa. Así que una vez acabado el directo queda sentarse a escuchar Faithful con tranquilidad para descubrir todo lo que guarda el Trío de Wasilewskiescondido en él.

J. Coltrane

Historia de Una Discoteca

2011-10-30T10:45:00.000+01:00

Seguramente el que lea esta historia creerá que son tonterías. Incluso mucha gente que nunca se le ha puesto la piel de gallina escuchando un buen disco o que simplemente le da igual si suena esto o aquello no la entenderá. No entenderá la mística y el arte que hay detrás de un hobby que sin duda marcó mi juventud y en gran medida espero que siga marcando mi vida en el futuro. Quizás hasta es normal que mucha gente no entienda esta historia debido al maltrato que ha sufrido y sufre el arte de la música, por haberla convertido en un simple producto más con el que cualquiera se atreve y que sin duda la está matando o consumiendo inexorablemente. Ya hace mucho que dejó de ser exclusiva de una élite de personas que la estudiaba, la entendía y la amaba.

Pero esta en si misma es la historia de una discoteca. Pero no una discoteca de esas donde se escucha música parrandera mientras se mueve el esqueleto y se taladra a la sujeta de tu lado, no, ésta es una discoteca de las de verdad, de las que tienen discos, muchos discos, y en la que coleccionar discos es tan placentero como sentarse después a escucharlos mientras uno lee el libreto y se entera de porqué esto se grabó así o aquel músico fue escogido para aquella sesión en vez de aquel otro. Algunos de los discos son buenos, otros menos buenos y unos pocos son geniales, irrepetibles y pequeñas obras maestras que han marcado mi vida. La historia, la de esta discoteca, la de mi discoteca, empezó hace más de 20 años, pero se empezó a definir allá por el año 1991, que es el punto de partida de lo que acontece.

La historia tiene un sentido y una forma porque la discoteca se ha gestado durante dos décadas y porque tras este tiempo tiene en su haber más de 1000 discos, cifra que acabo de sobrepasar con las últimas adquisiciones. Desde unos inicios un tanto confusos, intentando encontrar un estilo definido en el que centrarme, hasta ahora que ya el Jazz se ha consolidado y asentado desde hace mucho como el epicentro sobre el que gira casi todo mi espectro musical. Supongo que por proximidad y por facilidad primero fue pop. Después, por casualidades de la vida fue la música new age que me sirivió para apreciar la música instrumental de una forma sencilla y relajada. Y de ahí el primer gran golpe de efecto que vino de mano del Jazz Fusión.

Ese fue quizás el momento más importante de todos. Básico porque en aquel entonces andaba un servidor fervoroso de asimilar y procesar toda la música que llegara a mis oídos y buscaba un estilo que me diera todo lo que yo quería. El Jazz moderno aunó aquellas necesidades y se convirtió en un fiel compañero de viaje de calidad como sólo la música puede ser. Devoré discos, aproveché la llegada de internet, busqué en las radios, leí libros y lo más importante, escuché música todas las horas libres de mis días. Y empecé a mezclar esa pasión por el Jazz añadiéndole otros estilos que aportaban mucho y que sumaban importantes cosas a las carencias que en algunos momentos le encontraba a mi música preferida.

Y entonces llegó el Soul, el Funk y el Acid Jazz, en todas sus versiones y opciones siempre que fueran inteligentes y me resultaran interesantes. Y al Soul de antes le añadí los nuevos valores que llegaban por el horizonte y los fusioné creado nuevos sonidos con mayores matices. Y volví al pasado para deleitarme con una música, el Funk, que por algún motivo un día alguien pensó que había pasado de moda y que ya no valía para la radio. Y a mí me cautivó y me dejó sin aliento escuchar a los grandes del Funk, aquellos que, a diferencia de ahora, tenían un gran respeto por la música y hacían lo que hacían con la pasión del que ha estudiado y ha aprendido desde la base. Aquellos dieron a la música de aquella época una nueva dimensión en lo que a popularidad se refiere porque no olvidaron la calidad en ningún momento.

Entonces me apeteció mezclar un poquito más. Y al Jazz le puse algo de electrónica, cambiando el sonido clásico por algo más moderno y también sumamente interesante. Y muchas veces todo fue por pura casualidad. Cuando internet no era todavía parte de nuestras vidas la única manera que uno podía conocer nuevas propuestas musicales era aventurarse a comprar lo que fuera por motivos de lo más variopintos. Así pues compré discos mirando quién tocaba en ellos o quien lo producía y por tanto esperando tal o cual sonido; también me arriesgué con adquisiciones por pura atracción visual de la portada; o comprando las novedades que veía en la tienda o incluso dejándome asesorar por los vendedores de la tienda de discos.

Pero aquello fue hasta que llegó internet y se popularizó su uso. Entonces las cosas cambiaron rápidamente y, sin dejar de visitar mis tiendas preferidas, empecé a sentarme frente a la pantalla de mi ordenador buscando e informándome sobre las novedades musicales, lo que me permitió reducir el número de errores y ahorrar dinero para luego gastarlo en discos más interesantes. El problema es que la mística de ir a la tienda de discos murió poco a poco en el momento en el que por internet pude encontrar todos los discos que quería y que ni siquiera eran o iban a ser publicados en España. Pero con ello prácticamente se terminó la ilusión de pasar disco tras disco esperando que el siguiente en caer fuera el que buscaba o, mejor aún, uno que ni esperaba encontrar.

Así que poco a poco se fueron añadiendo más guindas a este pastel musical. Diferentes opciones. Algunas pinceladas de flamenco, de swing, de gospel e incluso de folk americano. Pero sobre todo me decidí a centrarme en el Jazz clásico, el de toda la vida, el que lo empezó todo y el que da sentido a todas esas músicas que crecieron junto a él. Y así los discos de Charlie Parker, John Coltrane, Ella Fitzgerald, Bill Evans, Miles Davis, Louis Armstrong, Ben Webster, Billie Holiday y muchos otros de los más grandes llenaron poco a poco esta discoteca, enriqueciendo su sonido y haciéndola aún más completa de lo que ya era. Esos geniales músicos hicieron grande un estilo de música que a pesar de haber sido y ser maltratado habitualmente por los medios atesora una calidad y una clase que para un servidor no tiene comparación con ningún otro estilo de música.

Y así hemos ido creciendo juntos durante todo este tiempo. En 20 años, con todos sus días soleados y sus días lluviosos, la discoteca ha ido creciendo hasta llegar a este punto en el que se ha cruzado la barrera de los 1000 discos, cifra de cuatro dígitos que he querido rebasar con una de mis joyas de la corona. El disco en cuestión es una edición especial de cuatro discos y un libreto de impresión de Verve que contiene una recopilación de los mejores temas de dos de mis compositores preferidos interpretados, quizás, por la mejor cantante de Jazz de todos los tiempos: Ella Fitzgerald Sings the George & Ira Gershwin Song Book. Esa y no otra era la mejor manera de cerrar un círculo que empezó allá por 1991 y que ahora, en 2011, define una historia repleta de música y de buenos momentos. Esa es la historia de los veinte primeros años de una discoteca. Y que sean muchos más.

J. Coltrane

Q Soul Bossa Nostra: Asesinato en Alta Fidelidad

2011-07-21T12:14:00.013+02:00

Ya sé que no es lo normal, ya sé que habitualmente cuando escribo sobre música lo suelo hacer siempre escribiendo sobre discos que me gustan y me parecen buenos. Pero esta vez va a ser que no. No puede ser, porque esta vez no hay forma. Vaya por delante que para mí Quincy Jones es Dios, musicalmente hablando. Él está entre lo mejor de lo mejor de la historia de la música, es un músico que lo ha ganado todo en su ámbito y por el que casi siento veneración, pero eso no quita para que cuando el amigo hace un disco malo hasta límites insospechados uno tenga que decir que es bueno porque es suyo. No, este disco no serviría, salvo por algunos temas que se salvan de la quema, ni para posavasos. Hasta ahí podíamos llegar. Su nuevo disco: Q Soul Bossa Nova es malo hasta en el título.

Y eso que los discos de Quincy Jones han sido siempre un seguro de calidad. Los he comprado hasta la fecha con los ojos cerrados, pero a la vista está que esta vez los tendría que haber abierto un poco, porque su última entrega musical es un drama con forma de CD. Esta vez me he colado. Se me hace extraño que alguien con el carrerón musical del señor Jones pueda parir semejante bodrio musical. Eso no es normal en alguien con "sólo" 27 Grammy’s y 79 nominaciones a los mismos. Aunque también es lógico que en una carrera que abarca más de 60 años uno pueda cometer ciertos fallos y patinar como lo ha hecho el amigo, pero este patinazo no me parecere muy normal. Sobre todo para alguien que grabó el espectacular This Is How I Feel About Jazz. Pero de ése al Q Soul Bossa Nostra ha llovido un rato largo.

Cierto es también que hace ya mucho que la crítica no ensalza sus obras como lo hizo tiempo atrás cuando orquestaba para Sinatra o Miles y cuando su orquesta era una de las más reconocidad del planeta, o cuando sus producciones para Michael Jackson eran pura química. Quizás por eso ahora edita un disco cada demasiados años. La crítica últimamente ya no ha puesto muy finos a sus discos. El Live at Montreaux, el Q’s Jook Joint o el Basie and Beyond no fueron aclamados por la crítica precisamente, aunque no creo que ninguno de ellos, aunque de conceptos diferentes, sean malos discos. En especial Q’s Jook Joint, bastante criticado por los especialistas pero que a mí me parece genial. Una mezcla de artistas Soul y músicos de Jazz de sesión con temas de toda la vida pero que fueron bien tratados para que no perdieran su esencia.

Ahora bien, en Q Soul Bossa Nostra, la cosa se ha ido de madre. Algunos de los temas míticos de Quincy Jones, ya sean los compuestos por él como los producidos, han sido desvalijados y desposeídos de la magia que tuvieron, se les ha añadido un exceso de programación y además algunos son cantados con un rapeo que no viene al caso. No sé si tendrá algo que ver con que Quincy sea sólo productor ejecutivo en vez de lo que es un productor típico. Su sonido no se nota en este disco y, además, el nivel de los cantantes está a años luz de aquel Q’s Jook Joint. Ahora la fórmula ha sido en muchos casos usar las bases originales de los temas y dejar que los artistas graben encima sus rollos patateros. Y para muestra un botón: el tema de Ironside. Un temazo que en manos del rapero Talib Kweli da miedo y ganas de ir al baño. Desconozco si este sujeto estará vivo todavía, pero la verdad es que ese rap sobre ese tema es puro terrosimo musical.

Otro clásico, como es el Soul Bossa Nova de Quincy ha sido retitulado como Soul Bossa Nostra y con el mismo concepto de usar la base original se han sumado encima las voces de Naturally 7 y Ludacris. Un feto. Si como en otros tiempos estar bajo la batuta de Quincy era sinónimo de una carrera meteórica en el mundo de la música, no creo que en este caso ninguno de los novatos de este disco despunten mucho. Como es el caso del tal Akon que canta otro de los temas sacrilegio del disco: Strawberry Letter 23. Es de prisión incondicional sin fianza. El tema, cantado originalmente por The Brothers Johnson, era una delicia del Funk con su fina base de guitarra y bajo que ahora ha desaparecido para oír la inefable voz de Akon junto a una retahíla de sonidos sintetizados que asustan.

Luego hay otros temas que, sin aportar en realidad nada nuevo, sí están tratados con más cariño o, al menos, manteniedo un poco los cánones del Soul. Ese es el caso de You Put a Move on My Heart, cantado por esa voz por esa voz privilegiada de Jennifer Hudson que mantiene el tema en un nivel muy alto, aportando su estilo pero sin salirse del sitio. También me parece interesante la nueva versión de Secret Garden, por bien tratada, con el ritmo aumentado y porque el abuso de electrónica no la ha matado. Aunque lo mejor del disco es el light Funk del tema Betcha Wouldn't Hurt Me que canta Mary J. Blidge. Es un tema de la vieja escuela cantado en ese estilo que es puro Soul. También salvaría de la crítica a It’s My Party de la drogodependiente Amy Winehouse. Tratándose de fiestas ella no tiene igual. Pero ya le quedan pocas, aunque ese es otro tema.

Otro de los temas sacrificados a la simplicidad de la radio es de nuevo un clásico del Funk de finales de los 70. Get The Funk Out Of My Face fue todo en hit en su momento de nuevo por los The Brothers Johnson, uno bajista y el otro guitarrista. Pero de nuevo, en este disco, aquella fuerza del Funk de entonces se va casi por completo por el desagüe de la electrónica matando una base rítmica fabulosa. Otro tema del estilo es Give me The Night, que fue el primer número 1 de Benson, compuesto por Rod Temperton y producido por Quincy, es aquí también maltratado hasta el ridículo. No sé qué habrá dicho Benson si ha oído este bodrio de su canción más popular. La frescura del original muere a manos esta versión. Con Benson fue un tema sexy, con su guitarra Ibanez en ristre conseguía un swing que la catapultó a lo más alto. En cambio en la nueva versión la electrónica y la simple base rítmica la han asesinado. Por la espalda.

En fin, éste es un disco que no hace justicia a una carrera de ensueño. A una carrera junto a Miles, Basie, Gillespie, Ella, Dinah, Sinatra, Michael Jackson, George Benson etc... Una carrera plagada de éxitos. Después de 15 años de espera hasta el nuevo disco de estudio del rey de la música yo me esperaba más, me espertaba un disco lleno de música de calidad pero me lo he encontrado vacío, facilón y sin mucho sentido. Hace mucho que Quincy, musicalmente, no transforma en oro todo lo que produce como hizo tiempo atrás, pero la verdad es que sin pedir tanto sí que podría habernos dado un poquito más en este disco que, sinceramente, no hay por dónde coger. Todos los temas de Q Soul Bossa Nostra han sido geniales en su momento y lugar, pero aquí se vuelven pequeños, insípidos y quizás demasiado modernos. En este caso, lo nuevo de Quincy, es un verdadero asesinato en alta fidelidad.

J. Coltrane

Lee Ritenour en Concierto

2011-04-07T17:55:00.015+02:00

Creo haber dicho alguna vez que no, que aquí en Miami el Jazz no es una música muy de moda. Aquí, a la latinada, se la trae floja si toca un maestro de la guitarra o uno del piano, aquí sólo hay un poco de movilización si hay aaasúcar!! en el concierto o, en todo caso, si viene el enésimo hortera latino con sus pirsins, sus tatus y sus cadenas de oro de kilo y medio. A pesar de eso, de vez en cuando hay iniciativas tan interesantes como la promovida por el mítico Larry Rosen y a la que llamaron Jazz Roots; una serie de conciertos con las diferentes variantes del Jazz de hoy. Y todos ellos en el mismo lugar, el genial Adrienne Arsht Center. El lugar en concreto es una impresionante construcción arquitectónica que llama la atención nada más acercarse a ella. Constituida por dos espectaculares salas de conciertos separadas por la calle Biscayne Boulevard es una joya de la ciudad y una maravilla en cuestión de acústica.

Desgraciadamente no he podido ir a más conciertos del programa Jazz Roots, pero no quería dejar que terminara sin asistir una vez y, sobre todo, porque el artista escogido para cerrar la serie de conciertos era Lee Ritenour. Han venido grandes artistas a estas series de conciertos, como Marcus Miller, Keith Jarrett o Wallace Rooney, pero Lee Ritenour es uno de mis guitarristas preferidos de todos los tiempos, así que había que ir a verlo. El concierto, en realidad, era medio concierto, porque el cartel también daba entrada al prodigioso Al di Meola, que ya de paso, y como nunca me he interesado por su música, tenía ganas de ver qué tal. Ambos músicos llegaban al Knight Concert Hall, una sencilla e inmensa sala de conciertos donde predominaba la madera de color claro. Esa sala, junto con el Ziff Ballet Opera House, forman el conjunto del Adrienn Arsht Center.

Lo primero que me llamó la atención en el lugar del concierto es la vestimenta de muchas gentes. A ver, el sitio es una preciosidad, pero un concierto de Jazz no es lugar al que ir con taconazos, vestidos y de punta en blanco. A ver Rigoletto igual vale (aunque podríamos discutirlo), pero a ver un concierto de Jazz no. Siempre digo que la manera de ir vestido a un concierto ha de ser, más que marcada por el lugar en el que se celebre, marcada por el vestir del artista al que vas a ver. O sea, que si Lee Ritenour y Al Di Meola, que tocan la guitarra un rato largo, salieron con jeans, deportivas y una camisa no muy bonita que digamos, ¿qué hace el respetable con vestido, traje, corbata y tanga de lentejuelas? Pues no, no hace falta, y seguro que Lee nunca tendría una queja por eso.

Otra cosa que llamó mi atención, aunque lo intuía, fue ver que la sala no estaba al 100%. En platea había muchos sitios vacíos, lo que confirmó que en Miami ya podría resucitar mi primo John Coltrane, que aquí ni Dios se anima a este tiki taka musical que se llama Jazz. También hay que decir que los más de 100$, entre pitos y flautas, que costaba la entrada en platea pueden haber ayudado a que la gente diga que ni de coña. Yo pagué 55 dolores por una entrada en el tercer piso y, aunque se veía y se oía de coña, la verdad es que para mi gusto estaba un poco lejos. Y suerte que a mí me llevaron, porque el parking costaba 15$ más. En fin, que con puntualidad meridiana apareció Larry Rosen y una señora que no sé quién era pero era alguien y nos dieron las gracias por gastarnos el dinero y por la confianza y que si patatín, que si patatán. Plas plas plas, y que salga el músico. Y salió, primero Lee, una gran noticia.

Ritenour apareció en cuarteto, cosa que no esperaba. No por nada, pero pensaba que iría con saxo. Pero no, apareció con Melvin Davis, su bajista de confianza y, que fue lo que más me llamó la atención y me puso los pelos de punta, también con el batería de la banda, que era el infatigable y extraordinario Sonny Emory. Aquello tenía buena pinta. El pianista, con máster del universo en Jazz en la University of Miami, era un tipo al que diría que habían metido en la banda hacía poco o para poco tiempo, tocaba muy bien, pero no lo vi muy integrado. No recuerdo su nombre, pero Lee le dejó bastante de la mano y sólo se acercaba a hacerle cariñitos musicales a Melvin Davis y a Sonny Emory, y al otro que le den. Melvin Davis curiosamente presentó un bajo de 7 cuerdas, que el público celebró con un sonoro aplauso. En el Jazz es bastante habitual ver bajos de 5 y hasta 6 cuerdas, pero de 7 no había visto en mi vida. Este “cacharro” cuesta del orden de 7000$.

La actuación de Lee fue espectacular, domina sus guitarras de manera extraordinaria, supongo que de ahí lo de Captain Fingers, como lo denomina la profesión. Un músico avalado por distintos Grammys, montones de nominaciones, y la participación en más de 3000 discos. En la costa oeste Ritenour ha sido uno de los músicos de sesión más reclamados en su larga trayectoria de 40 años, con otros tantos discos geniales a sus espaldas. Geniales en especial cuando se ha alejado de los sonidos brasileños que a épocas tanto le han apetecido. Tengo que remarcar, como decía antes, la presencia de Sonny Emory. Me dejó a punto de nieve. Brutal. Increíble. En serio, nunca he visto hacer nada igual con la batería ni he visto mover las baquetas a esa velocidad ni con ese control. Fue increíble y su solo final de despedida levantó a la audiencia que, supongo que como yo, no se creían lo que estaban viendo. Parecía mentira que hicera girar baquetas en sus manos con aquella facilidad para luego golpear platos y cajas. De verdad, era verlo para creerlo.

Lo que sí me dejó helado, pero de mal, fue que Ritenour y su banda estuvieron, tirando largo 45 minutos sobre el escenario. Por no haber no hubo ni un triste bis que echarse a la boca. Se despidieron, zenqiu, zenqiu, y a tomar por saco, que pase el siguiente. Me quedé flipando. Vale que había que dividir la velada en dos, pero hombre, al menos una hora entre esto y aquello sí hubiera podido ser, sobre todo porque Al Di Meola tocó como una hora y cuarto. En fin, eso fue un golpe bajo, así como el hecho que entre Ritenour y Di Meola pararan casi media hora. Yo ya no sabía dónde mirar. La gente salía y charlaba y tomaba algo y eso, pero yo, por alguna extraña razón, a 8$ el medio bocadillo pierdo el hambre. Tendré que ir al médico. Así que bueno, después de un concierto de sacarse el sombrero y regalarlo y de la espera salió Di Meola, el virtuoso.

La banda de Di Meola, pensé, era como un chiste. Había un húngaro, un francés y un cubano. Y sobre todo había algo que no me gustó, mucha percusión. La música del maestro no me acabó de matar, la verdad, pero él, como guitarrista es increíble. No he visto en la vida nadie tocando notas a esa velocidad con la guitarra. Fue simplemente increíble ver esa velocidad de digitación mezclada con una banda que sincronizaba movimientos con exquisita exactitud. Impresionante. Tocó, según dijo, sus temas clásicos y los de su nuevo disco. En fin, puede ser, que no conozco su carrera, pero el directo fue de película. Lo que ya no me gustó tanto fue el dueto improvisado con Ritenour ya al final, que salió un momento a ver qué hacía, pero no acabó de quedar bien, porque ni era su estilo ni aquel rollo le iba a su medida. Pese a eso, los conciertos fueron de primera y salí con un maravilloso sabor de boca del Adrienne Arsht y, dicho sea de paso, con una hambre que me moría.

J. Coltrane

The Rippingtons en Concierto

2011-02-10T16:56:00.010+01:00

Pues eso, que sigo en mis trece de recorrer la geografía de Florida para ver esos conciertos que en mi pueblo son francamente difíciles de ver. Esta vez han sido los Rippingtons encabezados por Russ Freeman los que me han hecho moverme de casa para ir a verlos. Y esta vez ha sido la pequeña localidad de Davie, como a 30 kilómetros de Miami, a la que han llevado su música y a más de 400 seguidores en el concierto de ayer noche que era el que abría su gira de 2011. El lugar escogido era el Rose & Alfred Miniaci Performing Arts Center, una sala de conciertos bien maja que, como si nada, está en medio del campus de la Nova Southeastern University. Aquí en cualquier lugar te encuentras una sala de conciertos con cara y ojos. Eso sí, todas ellas bien patrocinadas por los mecenas de turno. Los Miniaci de toda la vida se dejaron una pasta en esta sala de conciertos.

El escenario era sencillo, como suele ser en estos casos en los que un grupo vende música y no lucecitas y watios de potencia sonora. Aquí no había ni fuegos artificiales ni cachondeos varios, sólo lo justo y necesario para un concierto de casi hora y media. Una platea recubierta de madera y una sencillas luces de colores en los costados para añadir un poco de color durante los temas. Y la calidad de sonido como esperaba, el Miniaci Performing Arts Center tiene una acústica más que buena para un lugar como el que es, y seguramente ese sería otro punto por el cual el aforo estaba vendido al 95%, cosa que no está nada mal.

Pero no saben nada los amigos de los Rippingtons, medio país pelándosela de frío y con nieve hasta las cejas y ellos en Florida de conciertito. Qué listos. Después uno en Cape Canaveral y luego tres dáis de crucero en el Florida Smooth Jazz Cruise. Así ya se puede. Pero bueno, sobre el concierto de Davie, que empezó con 15 minutos de retraso, el resumen es que estuvo genial, fueron Rippingtons en estado puro. Fue un super concierto y salí totalmente admirado por la química que hay entre el guitarrista Russ Freeman y el saxofonista norteamericano de origen asiático Jeff Kashiwa. Ellos dos como músicos brillan un rato largo durante todo el concierto, mientras que el resto de la banda pasa un poco más inadvertida, pero en realidad esa es la música de los Rippingtons.

Toda la música creada por Russ Freeman lleva el mismo sello y está concebida prácticamente para guitarra y saxo, y eso es así desde hace más de 20 años en los que siempre ha estado Russ y en los que casi siempre ha estado Kashiwa. Otros míticos que en algún momento estuvieron al mando del saxo de los Rippingtons fueron Kenny G, muy muy al principio, y el gran Eric Marienthal, que ha ido intercalándose con Kashiwa cuando éste no estaba disponible o estaba con su propia carrera musical. Ayer, de todas formas, tanto baterista como bajista pudieron lucirse de forma especial en un par de ocasiones cada uno, demostrando que de tocar saben un rato largo.

El baterista, Dave Karasony, se marcó un gran solo en el que, por desgracia, tuvo el error de perder una baqueta casi al final del mismo, aunque lo solucionó cogiendo otra tan rápido como pudo. El sonido del bajo, Rico Belled, por otra parte no es un sello distintivo del sonido Rippingtons, pero cuando le dejaron jugar sí supo marcarse un buen solo de slap con el bajo. Y es que tanto uno como el otro tienen por detrás un currículum que asusta y deja claro que quizás entre Kashiwa y Freeman en los Rippingtons no puedan brillar mucho, pero buenos son un rato largo. El teclista, Bill Heller, es el encargado del sintetizador que rellena, a veces en exceso, el sonido Rippingtons. Diferentes sonidos con un mismo teclado son la forma de darle una ambientación a los temas en directo.

Me encanta la forma de tocar de tocar de Russ Freeman, pero a la vez me encanta el sonido desgarrador del saxo de Kashiwa. Entre ellos hay una conexión que se palpa cuando el uno dobla las notas del otro bordándolas y demostrando que llevan muchísimas horas juntos subidos en el escenario. Aunque sí tuve la sensación que la guitarra de Freeman se ciñe mucho más al guión de los temas originales de lo que lo hace el saxo (o incluso el EWI) de Kashiwa, al que vi improvisar más que a Freeman durante la hora y 25 minutos que duró el espectáculo; tiempo en el cual Freeman se dolió de sus manos después de algunos solos, como es muy habitual cuando los guitarristas alcanzan una cierta edad y tocar según qué notas se hace cada vez más complicado.

El inicio de esta gira coincide con la puesta en escena del nuevo disco del grupo: Côte D’Azur. Tengo que decir que aún no lo tengo (pero será mi disco 14 del grupo). Lo iba a comprar ayer noche pero la verdad que pagar 20$ por un disco que en Amazon lo venden a 14$ pues como que no. Entiendo que se tengan que pagar el crucero, pero así no majos. Bueno, a lo que iba, que aún no tengo el disco, pero después de oír los temas que avanzaron ayer tengo la sensación de que la caída de la calidad y la composición siguen en picado y además creo que no soy el único que lo piensa. Se notaba en el ambiente que los temas clásicos del grupo eran los más esperados y que los temas de los últimos discos eran tomados con cierta frialdad por el respetable. Quedan lejos los Curves Ahead, Tourist in Paradise o el Black Diamond. Tengo la sensación de que se ha
perdido un poco de frescura y la repetición de los sonidos es casi dolorosa.

Me sorprendió, porque suele ser habitual, que Freeman no tuviera un arsenal de guitarras a mano. Apenas 3 guitarras había en el escenario aunque una sólo la usó en un tema del nuevo disco. Así que tiró de acústica pero sobre todo de una eléctrica. Según comentó en casa tiene muchas otras que saca a pasear bien poco. Es raro, digo, porque normalmente los guitarristas suelen escoger distintas guitarras para dar distintos colores a la música que tocan. Pero sea como sea, la verdad es que me fui encantado del Miniaci después de haber podido ver que uno de mis grupos favoritos de todos los tiempos seguía tan en forma como yo esperaba. En directo los Rippingtons son tan buenos como en estudio, lo que me deja la mar de tranquilo.

J. Coltrane

Tres Pájaros (y Pico) de Un Tiro

2010-12-08T00:45:00.005+01:00

Ya quisiera yo uno así para mi pueblo. Aquí en los States los hay prácticamente en todas localidades medianamente grandes, arts center, performing art center, theater, o como quieran llamarlos, pero hay portodas partes. En cambio en en España, o al menos en la parte donde yo vivo, brillan por su ausencia y hay que caminar mucho para darse de morros con sitios así que valgan la pena. En cambio aquí no, uno puede ir a una pequeña localidad y allá encontrar una sala de conciertos (o dos) como la que me encontré el pasado lunes cuando me jugué el panizo para ir a ver a Dave Koz y compañía en concierto en el Au-Rene Theater, lugar que forma parte del Broward Center for Performing Arts, en Fort Lauderdale.

Fort Lauderdale, en donde vivían las extintas Chicas de Oro, es una ciudad que está a unos 40 kilómetros de Miami y que anda llena de abuelos con bermudas y camisas floreadas y, para los que venimos del sur, es como reencontrarse con los Estados Unidos. Glorioso país. No tanto a nivel visual, que es ciertamente parecido a Miami pero en pequeño, si no más bien a nivel de comunicación con las gentes. Entenderéis lo que quiero decir teniendo en cuenta que en Miami lo difícil es que te hablen en inglés. En cambio en Fort Lauderdale la cosa cambia, uno vuelve de golpe al darse cuenta de dónde vive.

Cogiendo la interestatal I95 en dirección norte son apenas 60 minutos de bonitas y lentas retenciones de tráfico lo que se necesita para llegar hasta el lugar si uno, o sea, un servidor, pretende ir en hora punta. Si no, en más o menos media hora debería ser suficiente para plantarse allá. El camino es francamente sencillo, motivo por el cual me dicidí a irme sólo de concierto sin la mano que mece mi cuna aquí. Así que, entrada en mano, con la I95 puesta entre ceja y ceja y en mi GPS, y atento por si la policía se aparecía sin invitación en mi espejo retrovisor me dirigí hacia lo desconocido. Ah, y también porque empezando el concierto a las 19:30 de la tarde uno no puede esperar que le acompañe ni el tato. Que trabaja.

Y como soy un hombre precavido, salí dos días y medio antes del inicio del concierto, por si se daba algún imponderable. Pero como todo salió como esperaba, me encontré en Fort Lauderdale una hora y media antes de que empezara el concierto. Así que como tenía tiempo hasta para regalar me fui a pegar un paseo por los alrededores del Au-Rene Theater y me encantó el lugar. Por fuera era precioso, junto al río, con sus palmeritas y sus cosas de Florida, y por dentro, cuando metí la puntita, aún me gustó más. Una sala de conciertos para, extrañamente, dar conciertos. No era un lugar adecuado a la música por un tiempo limitado. Además, un ejército de trabajadores estaban a tu disposición para guiarte hasta tu butaca (igualito que en España), hasta el bar a pillarte un pelotazo o incluso hasta el baño a sujetártela si fuere necesario, y todo con una sonrisa en los labios.

Y llegó la hora de que se apagaran las luces. Pocos minutos después de la media salió Dave Koz al escenario entre una brisa glacial que caía de las salidas de los aires acondicionados. La idea de que me encontraran fiambre en la butaca y con el moquillo congelado me atormentó buena parte del concierto, pero la verdad es que no se dio el congelamiento porque el concierto estuvo super bien y las masas abarrotaban el lugar. Y eso que me daba un poco de miedo porque porque era la 13ª edición del “Koz Smooth Jazz Christmas”, y a uno le gustan los villancicos, pero con medida y si no los canta mi abuela. Lo que pasó es que sobre el escenario se juntaron tres (y pico) de los músicos que más me gustan, así que aunque hubieran tocado la “pandereta Christmas” les hubiera ido a ver. Tres y pico al precio de uno.

¿Y por qué tres y pico? Bueno, porque además de mis tres favoritos se añadió al grupo un pedazo de mujer holandesa más alta que ancha cargando un saxo alto que, dicho sea de paso, y perdón mujeres del mundo, no le quedaba nada bien. La tía toca un rato bien, pero a esa clase de mujeres les va más desfilar por la pasarela en vez de tocar el saxo. No sé, es una chorrada, pero no la veía con su instrumento. Y por ello pido perdón y prometo flagelarme. En fin, Dave Koz acompañado por Brian Culbertson, Jonathan Butler y, de regalo, Candy Dulfer, me dejaron bien impresionado por lo bien que se pueden hacer las cosas y porque dejaron claro que un concierto de villancicos no tiene por qué ser digno de suicidio.

Los cuatro músicos se respetaron mucho y se dejaron el espacio suficiente para poder brillar en todo momento sobre el escenario. Aunque se podría decir que Koz musicalmente no me sorprendió, lo esperaba bueno, pero sí lo hicieron tanto Culbertson como Butler. El primero por su interpretación y su capacidad de tocar el piano y el trombón, mientras que el segundo porque es tan buen guitarrista como vocalista. Fue curioso verle cantar igual que como lo hace en los discos. Cuando uno ha ido a muchos conciertos ya sabe que la voz en directo no suele ser como la de estudio, en cambio con Jonathan Butler esa regla no se cumple, tiene una voz de lo más potente y bien ajustada que me dejó asombrado. También me dejó sorprendido la calidad vocal de Candy, la cual no sabía que cantara y que además lo hiciera tan bien.

Tras la primera hora de concierto alternando los villancicos más Funk que he oído en mi vida, el concierto paró por media hora. En España los conciertos no suelen parar por lo que suerte que mi inglés va mejorando, que si no, en otras condiciones yo cuando viera encenderse las luces y gente levantarse hubiera salido disparado para el coche y de vuelta a casa. Tras el parón, en el que aproveché para comprar el último disco de Dave Koz, el grupo volvió a las andadas durante una hora más pero ya tocando temas de sus últimos discos y hablando un poquito, contando historias personales y demás que hizo que el tiempo del concierto se esfumara, lo que siempre es buena señal.

Sin olvidar, eso sí, la puesta en escena, que para ser un concierto de Jazz y no de pop, la verdad es que estuvo muy bien trabajada, con buenos efectos de luz y color y una potencia del sonido ajustada a las necesidades del entorno. Un diez también en eso. En fin, que me la jugué por las carreteras de este país pero valió la pena hacerlo, exactamente 63$ + 12$ por aparcar. Fue divertido ver a tres grandes iconos de mi discoteca juntos y, aunque hubiera preferido verlos tocando otros temas distintos a los de Navidad, no sesión musical no estuvo nada mal, me encantó estar en aquella sala de conciertos preciosa y que sonaba francamente bien y gracias a la cual pude matar tres pajaros (y pico) de un tiro.

J. Coltrane

When The Saints Go Marching In

2010-12-01T00:26:00.002+01:00

Me apetece porque hace tiempo que no toco ninguno de los grandes clásicos. Lo hice con Love For Sale, con Mack The Knife, y con The Way You Look Tonight entre otros y ahora he escogido uno de los temas que más me gustan del repertorio del Jazz de toda la vida: When The Saints Go Marching In, un tema que traspasó la frontera del Jazz y del Gospel, frontera por otra parte que en muchas ocasiones suele ser tan difusa que se entrelaza uniendo dos estilos que se alimentan mutuamente. Precisamente When The Saints Go Marching In es el claro ejemplo de esa conjunción. Nacida en el seno del Gospel traspasó la línea para instalarse cómodamente en el campo del Jazz, en especial el ragtime de New Orleans.

When The Saints Go Marching In, nacida probablemente en New Orleans como canto espiritual negro para las marchas fúnebres, es una tema de autor desconocido y de dominio público, motivo por el cual quizás se ha dado a decenas de versiones y adaptaciones, quizás también debido a su simplicidad. Aunque el músico que más la versionó y más hizo por llevarla al gran público fue Louis Armstrong, que la grabó en cerca de 40 álbumes en diferentes versiones. Siendo este motivo el más que probable desencadenante del éxito que tuvo y tiene y lo que la convirtió en un clásico del Jazz que, habitualmente, es interpretada por bandas dixieland. Armstrong, a su vez, fue uno de los pioneros en reconvertir viejos temas Gospel y adaptarlos a grandes bandas de Jazz de New Orleans.

Hubo una versión que a menudo se confunde con esta que se llama When The Saints Are Marching In, compuesta en 1986 por James Milton Black y Katherine Purvis, pero que en realidad nada tiene que ver con el tema que más tarde popularizó Louis Armstrong y que jazzstandards.com situa en el puesto 282 de la lista de estándares del Jazz. Incluso estudiosos de la música equivocaron sus análisis y creyeron que When The Saints Go Marching In fue el mismo tema creado por Black y Purvis, pero nada más lejos de la realidad. El tema que nos ocupa no tiene unos orígenes claros ni precisos.

Alrededor de 1938 fue el año en que Armstrong la lanzó para que fuera descubierta y consiguió que perdiera parte del tono apagado y triste que tenía en sus orígenes, para pasar a tener un ritmo trepidante que la hizo muy apetecible para las grandes bandas de dixieland Jazz. Parece ser que en los funerales de New Orleans, el féretro es (o era) acompañado en procesión camino del camposanto mientras se entona When The Saints Go Marching In en su forma de canto fúnebre para que, en pleno camino, el cortejo fúnebre vaya acelerando el tempo hasta llegar al ritmo trepidante del tema que el Gospel regaló al Jazz.

Aunque de composición realmente sencilla a nivel de música y letra, en los círculos de músicos de Jazz es llamado “El Monstruo” porque es el tema que la mayoría de gente conoce aunque no sean amantes del Jazz, así que los músicos temen que durante una audición el respetable pida esta canción una y otra vez. Así que para evitar que la gente lo solicite sin medida, en lugares como el famoso Preservation Jazz Hall si alguien quiere pedir a la banda que toque este tema deberá abonar 10$ para que el grupo lo toque sin reparos y sin malas caras. Cualquier otro tema bajo petición cuesta 1$ ó 2$, pero The Saints es tan conocido que los músicos están hartos de tocarlo. El público ama este tema mientras que los músicos lo odian.

Desde luego hay muchas versiones grabadas, incluidas las versiones de Louis Armstrong, que fue cambiando el tema con el paso del tiempo. De todas ellas, mi versión preferida es una que grabó el propio Armstrong con el genial actor Danny Kaye en una de las incursiones del primero en el mundo del cine. La película en cuestión es The Five Pennies (1958), que algún fenómeno de la época tradujo en España como Tu Mano En la Mía. En fin, sin comentarios. The Five Pennies es la biografía del trompetista Red Nichols, y en ella cuenta sus principios en el mundo de la música hasta que creó su banda Five Pennies. El propio Red Nichols puso la música a los solos de trompeta que simulaba interpretar Danny Kaye en la pantalla. La película se llevó 4 Oscars y además nos dejó esta pequeña obra de arte a dúo:

El tema ha sido grabado cientos de veces, entre otros por Judi Garland, Elvis Presley, e incluso, y si Dios fuera justo no lo hubiera debido permitir, por los Beatles. Otros grandes músicos se atrevieron con él, como Lionel Hampton, Nat King Cole, Harry James, Coleman Hawkings, Louis Prima, Jerry Lee Lewis, etc... Aunque allmusic.com tiene más de 2000 entradas para ese tema con todas las versiones que uno pueda imaginar y en casi todos los estilos, del Gospel al Jazz pasando por el Blues, el rock o el pop. Incluso Bruce Springsteen se atrevió a hacer una versión en directo, cosa que personalmente, se podría haber ahorrado. Bueno, así es la vida, tiene que haber para todos los gustos y de todos los colores.

Aunque eso sí, si se han hecho algunas grandes versiones del tema las encontraremos entre las muchas grabadas en directo por los músicos del Preservation Jazz Hall de New Orleans, uno de los lugares más emblemáticos de la ciudad y que preveo visitar en cuanto ponga un pie en la ciudad del Jazz. Esos músicos llevan el tema que nos ocupa en la sangre porque esa música creció en su interior cuando poco a poco se iban impregnando de la magica del Jazz local, por eso esas versiones son punto y aparte. Pero, aunque como digo, si me tengo que quedar con alguna de ellas, la mía es la de Louis Armstrong y Danny Kaye. Esa versión de When The Saints Go Marching In es excepcional.

J. Coltrane

Sí Pero No Michael, Sí Pero No

2010-12-01T00:15:00.003+01:00

No creáis que no me sorprende. No sé, yo hace montones de años que sigo cantantes tipo Bublé. A parte de Sinatra, santo y seña, también me han interesado otros como Bennett, como Ella, Billie, y más en nuestros días como Harry Connick o Michael Feinstein. Por eso me fascina que un músico como Bublé llene estadios como el que he visto lleno hasta la bandera la pasada noche. Y francamente me cuesta de entender. No sé si será porque es guapito, porque canta super bien, por una millonaria campaña de marketing, o porque ha sabido ponerle a su repertorio de Jazz la dosis justa de pop para enganchar a la audencia. No sé.

Pero sea como sea, me fascina que alguien hoy día pueda cantar Mack The Knife ante diez mil personas junto a una banda de Jazz como si cantara Bulería Bulería. Cuando miraba a mi alrededor no dejaba de sorprenderme al ver a tanta gente junta en el Sant Jordi para, entre otras cosas, escuchar Jazz. Estoy completamente seguro que esas mismas canciones en manos de otro u otra no hubieran despertado ni la mitad de interés que despiertan cuando es él el que las canta. Supongo que así es la música y así es la gente. Esta es la magia de este arte, lo que puede engancharte a ti puede revolverle el estómago a tu vecino. Curioso.

Es curioso sobre todo porque el Jazz en los días que corren es una música casi proscrita y minimalista que no engancha a casi nadie, en cambio Bublé, con un poquito de aquí y un poquito de allá sabe darles a todas las audiencias lo necesario para que nos enganchemos, los unos por lo uno y los otros por lo otro, a su música que él complementa a la perfección con una voz potente y hecha a medida de las canciones que canta. Cosa nada fácil. El tipo es un showman de cuidado que demuestra ser divertido además dominar perfectamente los tempos sobre el escenario. Se mueve por él como pez en el agua, con el micro, se desliza, y lo más importante: sabe ser generoso con sus músicos permitiéndoles lucirse. Y lo hacen de maravilla.

Y claro, sí, yo lo entiendo y quizás hasta haría lo mismo, pero la verdad es que es un error importante, desde mi punto de vista, la elección del lugar del concierto. Esta noche Michael Bublé se ha lucido sobre el escenario del Sant Jordi pero el lugar no ha estado a la altura, simplemente porque la acústica es penosa. No es por nada pero la música de Bublé no luce nada en un lugar que está construido, no lo olvidemos, para todo menos para dar conciertos. Su voz se ha oído meridianamente clara cuando no se acercaba demasiado al micro, pero cuando la banda se ha puesto a funcionar en conjunto se han visto las limitaciones del lugar.

Tengo que decir igualmente que el sonido me lo esperaba muy muy malo y al final sólo ha sido malo. He preferido ir preparado para lo peor para que, llegado el caso, si al final la cosa no iba tan mal pues oyes, todo eso que te llevas. Y efectivamente, así ha sido. Y ese es un fallo que Bublé debería ver y poner remedio porque vale, en espacios así ganará mucho más dinero, pero el espectador pierde los pequeños detalles de su música que es imperdonable que se pierdan. Aunque también es verdad que quizás parte de esos espectadores no les importe mucho si se oye más o menos bien.

Total, que la fiesta ha empezado con 15 minutos de retraso, no está mal. Ya la gente se impacientaba, así que le han dicho que saliera pitando que el populacho se sublebaba. Y a las 21:45 en punto se apagaban unas luces y se encendías otras. Abría el concierto con una cover de Jazz genial: Cry Me a River. Y así ha ido la cosa, empezando con Jazz hasta diluirse poco a poco para llegar al pop que mejor sabe hacer Michael Bublé y con el que ha conseguido atraer al gran público. Entonces todo era baile y fiesta.

Eso sí, el concierto me ha parecido excepcional y, quitando el “pequeño” detalle de la acústica, todo lo otro ha sido sobresaliente. El stage estaba muy bien decorado, sin grandes excesos pero suficientemente bien para que, los que estábamos a tomar por saco del escenario, estuviéramos seguros de que el que estaba cantando era Michael Bublé y no su primo Miguel Chiclé. Suerte de los monitores, porque yo a él lo veía en la lejanía. Ese es otro pequeño detalle de estos que me dan un poco por saco. Ver al figura desde la distancia le quita romanticismo al asunto, pero bueno, cuando uno quiere estar en conciertos de masas pues ya se sabe.

Otra cosa a destacar ha sido su voz. En directo las voces de los artistas suelen ser menos buenas o afinadas que en los discos donde, gracias a la informática, algunos hasta parece que tienen voz. Pero oye, Bublé en ese campo ha estado de 10. No se le ha visto bajar la guardia en ningún momento y francamente me ha dejado sorprendido. Su voz es tan buen en directo como en estudio. Otro punto a su favor. Tampoco me quiero olvidar de la estética. Me gusta fijarme en esos detalles. Me gusta ver como todavía quedan músicos que tocan en concierto alegantes, bien vestidos y pasados por la ducha. Hoy día eso es casi un milagro. Ahora lo normal es ver sobre el escenario a un piojoso que debería ser desinfectado.

Y así ha ido todo, me lo he pasado teta viéndole cantar temas como I’ve Got The World on A String, All of Me, Me & Mrs Jones, Feeling Good, así como una espectacular versión de Mack The Knife. Además he tenido suerte de no estar cerca de esos grupos de mujeres post menstruales, que los había, que le gritaban como si estuvieran en celo, las jodías. En fin, como digo, él ha estado genial, sabiendo hacer bien su trabajo, siendo divertido con el público y siendo, sobre todo, agradecido por el dinero pagado para verlo. Pero lo peor, sin duda, así que una y no más Santo Tomás, ha sido la mierda del Palau Sant Jordi, al que va a volver, para un concierto, Rita la Cantaora. Ahí la organización se han colado. Sí pero no Michael, sí pero no.

J. Coltrane

Los Beatles: Una Tortura Remasterizada

2009-09-09T19:26:00.002+02:00

Me meo toa con la noticia de que los Beatles regresan por todo lo alto, otra vez. No sé, igual hace muchos meses de su último regreso, pero yo al oír el Yellow Submarine y el Imagine tengo la sensación de que fue ayer mismo que salió a la venta el enésimo Best of de los chicos de Liverpool. Joder, esto ya lo he vivido. La diferencia es que esta vez, al menos, ni vienen en disco doble, ni en vinilo, ni en MP3 ni ná, vienen remasterizados y supermineralizados, con un sonido más puro, digamos.

Es curioso que lo vendan con esa propaganda porque ahora que va todo cristo con su reproductor de MP3 y su música bajada del eMule o del Ares, por lo que, en general, al populacho se la trae floja si el emepetrés de turno viene remasterizado, microprocesado, multiplexado o como coño venga, porque mientras se oiga y sea gratis, tira palante. Así pues, viene EMI y dice que estos discos, material inédito a parte, llevan una remasterización de mil pares de kilobits para que los amantes de los Beatles disfruten y se pongan palote con esos temazos en estado puro.

Y digo yo que parte de la gracia de los Beatles será oírlos en plan sucio, como fueron grabados hace tropecientos mil años ¿no?, con sus refritos de fondo del vinilo y el correr de la cinta de cromo. Pero parece ser que no, que ahora los queremos que se oigan tan bien que nos hagan irnos de baretas en cuanto el submarino amarillo empiece a sonar. En fin, tengo dudas de cómo sonará John Lennon cuando le limpien todos los ruiditos añadidos en el original. Dios, qué miedo... Siendo (muy) fino, nos vamos a estremecer de la emoción.

Pero cuando he estado a punto de quedarme sin echar gota ha sido cuando he leído que además esta vez vienen con videojuego incluido, el acabose. Lo bueno del asunto es que el videojuego va de tocar los distintos instrumentos entre la infinidad de joyas de la discografía biteliana. Uno dice que bueno vale, un videojuego, pero que vaya de "tocar" instrumentos cuando si algo no hacían los Beatles era tocar nada que tuviera forma de instrumento, basicamente porque no sabían, pues manda cojones.

Y es que como ya dije una vez, los Beatles (o Bitels, según semire), serán mi grupo incógnita por los siglos de los siglos. Francamente nunca entenderé su éxito ni que la gente hoy en día siga perdiendo la chaveta por comprar de nuevo las cancioncitas de Lennon y su hueste, que ya las hemos oído medio millón de veces, como mínimo. Pero hay que reconocer, siendo justos, que para no saber cantar, ni saber tocar, ni saber nada de nada de música, no lo han hecho mal. Sobre las letras, pues hombre, como en botica, un poco de todo.

La cuestión es que yo los hacía medio enterrados y resulta que sólo estaban de parranda a la espera de clavarnosla por la espalda con esta nueva entrega remasterizada, que aunque parezca mentira siguen habiendo cosas por editar. Espero que al menos esta vez ya hayan sacado todo el material que les quedaba a los señores de EMI en los cajones de la discográfica, porque otro lanzamiento de discos, con su consiguiente repaso de los mejores temas ya no sé si lo podría soportar. Pero me asalta una duda: ¿tendrán ya en mente una edición remasterizando lo remasterizado?

Pero ya me puedo olvidar del asunto, porque estos días, en la tele, la prensa y la radio nos volverán a dar por saco con el maldito submarino ese, seguro. Espero que al menos esta vez en EMI, aunque no creo, cojan la llavecita del cajón que pone Beatles y la escondan bien para que nadie dé con ella en los próximos 20 años. Mientras tanto, tendremos que aguantar la tortura a la que nos van a someter, aunque eso sí, si nos tienen que torturar, al menos que la tortura sea remasterizada.

J. Coltrane

Demasiado Tiempo Para Tan Poca Música

2009-08-31T18:32:00.004+02:00

Llevaba varios días a la espera de leer la crítica de AllMusic sobre I Look Into You, el nuevo disco de Whitney Houston que sale a la venta mañana 1 de septiembre, y cómo no, bajo la tutela de Arista, sello que sigue confiando en ella. Me preguntaba con cuántas estrellas le darían en la cabeza a la Houston y casi he acertado en mi predicción. Yo me dije a mí mismo que no le darían más de tres y que seguramente serían dos y media. Pues bueno, al final han sido tres las estrellas, todas ellas muy generosas desde mi punto de vista. Y digo eso porque he podido escuchar fragmentos del disco en Amazon y la verdad es que me ha parecido muy muy flojo.

Aunque no siempre estoy de acuerdo con las estrellas de AllMusic, muchas veces las clavan. Pero es cierto que hay discos que me encantan y que esta gente los dejan a la altura del betún, como por ejemplo el I'm Your Baby Tonight de la misma Whitney que salió en 1990 y que a pesar de la poca estima de la crítica yo lo encontré un disco muy fresco y muy en consonancia con lo que hasta la fecha había hecho la cantante de New Jersey.

Ahora, escuchando por encima I Look Into You, me estoy pensando si comprarlo o no comprarlo, y directamente bajarlo por internet. Whitney Houston ha sido uno de mis iconos musicales de los 80 y los 90 por esa voz y esa carita angelical que tenía y que mezclaba a las mil maravillas con letras y producciones de lujo. En cambio ahora, pese a la espectacular producción que firma el nuevo trabajo, me voy a pensar muy mucho hacerme con este disco.

Desgraciadamente parece que tantos años junto al figura de Bobby Brown, el cantante más fotografiado por la policía, y junto a demasiadas sustancias inyectables y esnifables le han pasado factura en esa voz que fue la mejor durante dos décadas. Por eso Aretha Franklin la apadrinó a ella y no a alguna otra. Ni Mariahs Careys ni leches, la gran voz era la suya, porque el resto vinieron detrás, siguiéndola a mucha distancia.

Uno de sus rasgos distintivos fue siempre ese enorme y preciosa sonrisa que lucía en todas las portadas y en sus apariciones en público. Desgraciadamente eso también ha desaparecido en I Look Into You, porque en esta nueva portada muestra a una Whitney triste y apagada, con cara de qué hago yo aquí si querría estar en la cama bebiendo (un vaso de leche). Además, he encontrado un vídeo de promoción en Amazon en el que habla distante, apagada y en nada se parece a aquella jovencita alegre que fue años atrás. Vamos, que parece que más que presentar su nuevo disco esté de entierro.

Es una pena, y me pregunto si en este punto y con este pasado podrá aguantar una gira de promoción poniendo buena cara a las miles de preguntas repetidas a las que la acosarán. Viajes, hoteles, aviones, países varios. Bueno, habrá que ver si habrá algún tipo de promoción, ya que en su página web sólo se hace eco de una en New York y otra con Oprah Winfrey, por lo que quizás es que no hay nada programado. Personalmente pienso que sería lo mejor para su imagen, pero se hará difícil vender el disco así.

Pero lo peor de todo, aspecto físico a parte, es su aspecto musical. Es como si Whitney creciera y su música decreciera. Buscando un sonido más neo Soul y discotequero no sé si es el camino para reencontrarse con sus mejores años musicales. Quizás un Soul más clásico, con menos electrónica y menos intenciones de sonar en un club nocturno hubieran sido la respuesta a 7 años de incertidumbre musical desde Just Whitney (sin contar su disco de Navidad de 2003).

Y viendo los temas, pues no parecen muy conseguidos. Su voz no brilla con la fuerza que lo hacía antes y las letras no rematan las canciones. Quizás Million Dollar Bill está a buen nivel, pero no hay muchas más así. Y es extraño, sobre todo por contar con gente como David Foster, R Kelly o, curiosamente, Harvey Mason Jr (el hijo del reputado baterista de Jazz Harvey Mason). Pero sea como sea, la cuestión es que el disco no engancha, ni creo que vaya a pegar mucho en las listas, por eso miro hacia atrás con tristeza recordando aquellos tres primeros discos de Whitney que fueron super ventas y entonces pienso que quizás hemos esperado demasiado tiempo para tan poca música.

J. Coltrane

2032 North Broad Street, Philadelphia

2009-08-26T18:09:00.004+02:00

Pues no, desgraciadamente no es mía. Me encataría que así lo fuera porque eso querría decir que habría estado frente a ese mural, pero no es el caso. La foto en cuestión se encuentra en el 2032 de la calle North Broad St, en la ciudad de Philadelphia. Es una pena, porque este verano pasé por Philadelphia, pero sólo pasé por el aeropuerto, aunque me hubiera gustado ver ese mural de cerca y poder sacarle algunas fotos para tener de recuerdo. Para un fan de Grover Washington, Jr. como yo hubiera sido como fotografiar un monumento al Jazz.

A veces lo hago, selecciono un músico/grupo que me gusta y por unos pocos días me dedico a volver a escuchar todos sus discos con detenimiento, degustando de nuevo aquellos viejos sabores. Así que estos días me ha dado por saborear de nuevo la discografía de Grover Washington, Jr. que tengo en mi discoteca y me he puesto a buscar información sobre el artista nacido en Buffalo y que estuvo afincado en Philadelphia, y me ha aparecido esta imagen que me ha encantado: un mural de Grover Washington, Jr. en plena ciudad de Philadelphia, tocando su saxo alto.

Pero la imagen no sólo me ha encantado, me ha hecho pensar en muchas cosas, pero sobre todo en si esto podría pasar en Barcelona, donde yo vivo, o en cualquier otra ciudad de España. O sea, ¿os imagináis a un icono de la música moderna (que no sea mediático y vaya sucio y mal vestido, quiero decir) en un mural en plena calle en Barcelona? ¿o de alguna otra ciudad de España? Pues francamente yo no. No me lo puedo ni imaginar en un país como este sin promoción musical, donde Operación Triunfo es un referente musical, de un país donde no hay diversidad musical ni en radio ni en televisión (donde ya directamente ni hay) y, mucho menos, en un país en el que siempre escuchamos la misma e insustancial música.

Así que me he quedado un rato escuchando y disfrutando algunos de los grandes temas de Grover: Just The Two Of Us, Sacred Kind Of Love, Inner City Blues, Mister Magic, Take Me There y tantas otras de este fanático de los Philadelphia 76ers, cosa que demostró en el tema Let it Flow (For Dr. J), dedicado a la gran estrella del equipo de Philly: el mítico Julius Earving. Y con esto me ha venido a la cabeza aquella noche de hace 20 años en la que descubrí en una caja de madera del cuarto de mi hermano una cinta de casette del increíble álbum Winelight, que ya no dejé de escuchar a escondidas durante incontables noches metido en mi cama con el walkman a mi lado.

También me he quedado pensando que, a pesar de una carrera con subidas y bajadas, y con muchas críticas porque su música era poco digna para los más puristas del Jazz, definitivamente fue otra de esas figuras de la historia de la música que tendría que haberse quedado con nosotros bastante más tiempo del que lo hizo para seguir dándonos discos como los que él sabía hacer. Muchos otros podrían haberse ido antes que él, pero en la música, como en la vida, no siempre sucede lo más justo.

Pero lo que sí es cierto es que no muchos músicos han dejado un legado musical como el que dejó Grover Washington, Jr. (1943 - 1999) tras de si. A parte de varias decenas de discos, como digo, algunos mejor y otros peores y menos acertados, dejó un estilo y un sonido inconfundibles que uno reconoce al escuchar su saxo en cualquier pasaje de cualquier tema. Esa distinción le llevó a ser imitado hasta la saciedad, y como he dicho tantas veces, esa es la mejor indicación de la calidad de un artista: la huella que deja en las generaciones venideras. Por suerte, alguien resumió ese legado en el mural en el número 2032 de North Broad Street en Philadelphia.

J. Coltrane

Dos Notas, Dos Colores

2009-08-05T20:02:00.009+02:00

Aunque Beautiful Mess apareció en el mercado en 2008 en Japón, no ha sido hasta este julio de 2009 que ha aparecido en el mercado americano bajo el sello Sanachie, por lo que he aprovechado mi visita a los Estados Unidos para comprarme el último disco del dúo inglés, del que hacía más de diez años que no compraba ningún disco; y la verdad es que estoy encantado. Tras escucharlo a conciencia estos días, tengo la sensación de que todo este tiempo no ha sido perdido y siguen en forma, dejando claro que lo suyo es el pop con un matiz Jazz que le da un gusto especial. Y con este, van 22 años en el mundo de la música.

Diez temas nuevos más cuatro remezclas de algunos temas nuevos y del clásico Breakout (no es ninguna maravilla, por cierto) componen el disco. Escuchar a Swing Out Sister una vez más es como ver una pelicula antigua, el grupo sigue sabiendo cómo saber sacar partido a un sonido muy especial que se convierte en intemporal. Es un compendio de temas con un sonido de pop de calidad, con arreglos e instrumentación de lujo, como es costumbre en ellos.

Para mi gusto, uno de los mejores temas del disco es Something Everyday, un magnífico medio tiempo en el que brilla la voz de Corinne Drewery sobre un conjunto de coros que le dan un sonido retro impactante y fresco. Otro de los temas estrella es I'd Be Happy, un clásico tema al más puro estilo Swing Out Sister con una letra muy positiva y un conjunto sonoro entre la voz y la instrumentación que sobresale de forma espectacular. Pero sin duda, el tema del disco es Secret Love, un tema con un saxo y una guitarra rítmica de fondo que quitan el hipo. Personalmente creo que ya falta una versión house de este tema, es perfecta para ello.

Y cambiando de nota, una mucho más oscura; otra de mis joyitas de estos días es BLACKsummers'night, lo último del cantante Maxwell, el cantante de New York. El disco, aparecido hace apenas un mes, ha tenido una gran acogida por el público, y no es para menos. La verdad es que por fin me decidí a comprar un disco de Maxwell. Me encanta desde que me descargué el Urban Hang Suite de 1996. Aquel disco era espectacular, así que decidí bajar el resto y comprar el siguiente que editara. El problema es que Maxwell es un músico que cuida mucho sus trabajos y edita discos muy de cuando en cuando. Así que he tenido que esperar 8 años desde que editara Now, para poder comprar lo más nuevo: BLACKsummers'night, también para Columbia.

Como no podía ser de otra manera, BLACKsummers'night es espectacular, un disco hecho con cariño en el estudio, trabajado tema a tema, con un diseño estético como siempre muy cuidado y creado nota a nota para darle ese toque distintivo que tiene Maxwell y que hace que esté a la altura de otros como Tony Rich o D'Angelo, y que, por suerte, le deja a kilómetros de estrellas del R&B como Beyoncé o Riahnna. El aspecto negativo es que el disco sólo ofrece 9 temas, que visto como está el panorama musical actual, se me antoja muy ofrecer muy poco a los fans. Pero qué se le va a hacer, mejor 9 buenas que 14 malas. Sin olvidar que hay una versión con DVD incluida de Maxwell en concierto.

El maestro del neo-Soul nos ofrece todos los temas compuestos por él a medias con Hod David con su sonido sensual y relajado, una voz de lujo que mejora por momentos y una instrumentación totalmente acústica, entre el que destaca (como curiosdidad) Kenneth Whalum III, sobrino del genial saxofonista Kirk Whalum. Y no hay más que escuchar el primer tema, Bad Habits, para darse cuenta que nos esperan casi 40 minutos de primera categoría. Olvidando el sonido relajado del principio, Maxwell apuesta por un movimiento más enérgico con Love You, desplegando su voz en una tonalidad que brilla sobre los vientos durante el transcurso del tema de forma impactante.

Desgraciadamente aún no he tenido la posibilidad de escuchar estos temas en el equipo de alta fidelidad de casa, pero ya me apetece hacerlo. Encenderlo, subir el volumen y escuchar por ejemplo Phoenixrise, un tema instrumental de los que suele tener Maxwell en sus disco y que resulta a medias entre el Soul y el Jazz. Tampoco querría olvidarme de escuchar Playing Possum, donde su voz sobrelleva toda la canción casi acapella, dando paso ya al final a la melancólica trompeta de Keyon Harrold. Así pues, lo dicho, ya estoy que me muero por subir el volumen, sentarme en el sofá frente a los altavoces y pasar un gran rato con este par de discos de excepción.

J. Coltrane

Marcus Miller & Everette Harp: Run For Cover

2009-05-09T21:37:00.007+02:00

Ahí es nada, uno de los iconos del Jazz contemporáneo al bajo, tan espectacular como siempre, con uno de mis saxofonistas preferidos por su sonido y su ritmo siempre funk. Este concierto data de 1991 y tuvo lugar en Japón. Live Under The Sky es una cita obligada para muchos de los mejores músicos del mundo que no olvidan el mercado japonés. Aquí Run For Cover, el tema que Marcus Miller escribió para que David Sanborn lo popularizara, pero en esta ocasión el saxo alto es del inconfundible Everette Harp que no desmerece en nada a la versión de David Sanborn. Acompañando a Miller está a la batería el espectacular Poogie Bell. Ver los solos de bajo y de saxo alto de Miller y Harp es un verdadero placer...

J. Coltrane

Brian Culbertson - Bringin' Back The Funk

2009-03-08T23:30:00.002+01:00

Kirk Whalum: The Gospel According to Jazz Chapter III

2009-02-01T18:02:00.002+01:00

The Gospel According to Jazz Chapter 3 from Kirk Whalum on Vimeo.

2008: Un Resumen Musical

2008-12-28T13:50:00.006+01:00

Con el final del año es momento de hacer resumen de lo que, musicalmente, aconteció durante estos 12 meses de 2008. No ha sido un año de los de comprar muchos discos, ha sido un año de contención en la compra, de selección y adquisición sólo de los más necesario o imprescindible, que estamos en crisis. Este año 2008 se marchará dejando 39 discos nuevos en mi estantería de discos, una cifra bastante inferior a la de 2007, que fueron 54.

Este año, como suele pasar todos, han habido grandes descubrimientos y grandes decepciones. Es una cosa que ha pasado y, a pesar de internet, seguirá pasando aunque cada vez menos. El hecho de poder descargar un disco antes de comprarlo para ver qué tal es una buena manera de ahorrar un dinero si el disco resulta que no merecía la pena. De los artistas que conozco suficientemente bien ya no me preocupo en descargarlos porque ya sé que no me defraudarán, pero de los que no tengo mucha idea sí suelo hacerlo para llevar el disco en el iPod y entonces, si me convence, lo compro en la tienda.

Para mí las grandes decepciones de lo que he comprado este año han sido el disco en directo de Dianne Reeves, que es de lo peorcito que he oído. La artistas tiene discos geniales y una voz espectacular, pero el repertorio escogido para el directo deja mucho que desear, así como las versiones que hace de algunos temas clásicos. La otra decepción de este año ha sido el nuevo disco de los Yellowjackets, Lifecycle. La inclusión de una guitarra, nada más y nada menos que la de Mike Stern, ha sido lo que ha dejado al disco en un segundo plano para mí. Reconozco que es básicamente porque el estilo de Stern no me gusta. De todas maneras, como ya tengo comprobado con los Yellowjackets, sus discos entran sumamente despacio pero entran.

Otro de los artistas que sin ser una decepción, sí creo que ha bajado el listón bastante, ha sido Peter Cincotti, en su nuevo disco East Of Angel Town. Un supuesto (y apadrinado por él) clon de Harry Connick, Jr. ha degenerado en una música cada vez más pop que, sin estar mal, está muy lejos de lo que él puede hacer y además sabe hacerlo. De sus discos Jazz-pop ha ido cayendo el Jazz y sólo queda ya el pop. Otro de los que ha hecho menos de lo que sabe ha sido David Benoit en su disco Heroes. Como acostumbra el artistas americano mezcla grandes discos con otros muy insípidos y con poca energía, y éste es uno de ellos.

Como cada año he querido comprar algunos discos de Jazz clásico, de los grandes maestros, por eso este año me he hecho con algunas joyitas de Django Reinhardt, el Live at The Blue Note de Oscar Peterson, la serie completa de Ella Fitzgerald y Louis Armstrong colaborando juntos para Verve, los master takes de la colaboración de Louis Armstrong y Duke Ellington, una recopilación de los mejores temas en directo de Ella Fitzgerald editada por Pablo Records en 1994, y como colofón a un año muy jazzístico, el disco con el que se me acabarían todos los adjetivos buenos del mundo, el Kind of Blue de Miles Davis. Lo tenía descargado desde hacía tiempo y finalmente lo compré.

También he continuado la compra de discos de mis artistas preferidos, de esos que siempre que sale un disco me falta tiempo para comprarlos. Es el caso de Will Downing y su After Tonight, que diría que es de lo mejorcito que ha editado en años, si no lo mejor. Teniendo en cuenta la alta calidad de los discos de este músico de voz barítona no está nada mal. Otro de esos grupos esciales es Incognito, que sigue con su producción bastante continua de discos, el de este año, Tales From The Beach ha dejado claro que el grupo sigue en la misma dirección de calidad extrema y sonidos funky de siempre. Quizás yo diría que con una pequeña falta de ideas después de tanto tiempo. A pesar de todo, y como siempre, un gran disco.

Tampoco han faltado los últimos discos de Fourplay, de Everette Harp, Joe Sample & Randy Crawford, Earl Klugh, David Sanborn y Richard Bona, todos ellos ya grandes iconos musicales para mí. Sin grandes novedades en ellos, simplemente el hecho remarcable que Sanborn con su Here & Gone sigue madurando en su estilo de Jazz, ya dejando más de lado el más dulzón que hacía hace años por uno de más calidad. El regreso de Earl Klugh con uno sus discos marca de la casa ha sido una noticia genial, porque aunque tras bastantes años fuera del mercado regresó con uno de solo guitarra en el que no llegó a dar el mejor nivel que él tiene, en cambio en The Spice Of Life sigue sonando a Klugh, sin cambios notables, pero sí realmente bueno como siempre.

El año que marcha ha visto el descubrimiento de dos grandes artistas para mí. Uno, Keith Jarrett, es un gran icono en el Jazz desde hace decenas de años pero al que no le había prestado mucha atención. Este año le he dedicado dos discos (Setting Sessions y My Foolish Heart) en directo que son excepcionales y en los que el músico demuestra un nivel insuperable. El otro, Marcin Wasilewski, de origen polaco fue un chorro de aire fresco cuando llegó este año a mis oídos. Descubrí January por casualidad en una tienda de música de París y me dejó en shock. Lo compré y un poco más tarde me hice con su primer disco Trio. Ambos discos son relajantes y muy inspiradores, para momentos especiales.

Otros descubrimientos han sido el del DJ y músico frnacés llamado Llorca, New Comer es un disco de 2002 que suena terriblemente bien y que mezcla el mejor Jazz con una buena dosis de electrónica y house que lo hacen imprescindible para el que le guste el Acid Jazz. Otra gran sorpresa este año ha sido Wayne Brady y su A Long Time Coming, aterrizó en mi mente por casualidad mirando cosas por internet y cuando paseando por New York lo vi en una tienda me lo quise llevar de recuerdo de una de las ciudades más increíbles del mundo. El disco es un buena mezcla de Soul con pequeños toques Jazz. Y fue también en NY donde conocí a Jerry Douglas y su directo en el Blue Note. Allí compré el disco Glide (que me firmó en su camerino) porque me gustó su forma de tocar el dobro y porque aquella fue una de las mejores noches de mi vida musical y personalmente hablando.

No he olvidado el Acid Jazz en este año, si es que aún existe eso, en lo que ha dado de sí este año. He vuelto a las andadas con Incognito como decía antes, además de descubrir en Amazon de Alemania que Count Basic, el grupo del austríaco Peter Legat tenía nuevo disco en el mercado, Love & Light, disco que me daba un poco de miedo tras los dos últimos un poco descafeinados del grupo. Aún sin volver al 100% con un sonido muy Acid Jazz, sí han regresado a los orígenes en un 80%. Otra de las adquisiciones importantes fue el disco de Koop titulado de la misma forma. Ellos son suecos y mezclan a las mil maravillas Jazz y electrónica, creando un sonido muy partícular y con colaboraciones tan interesantes como la de Earl Zinger (vocalista de Galliano) y Terry Callier.

Este año ha sido la consolidación de otros artistas como John Gorka y David Wilcox. Ambos de la escuela del genial James Taylor, por lo que tienen unas raíces marcadamente folk/rock. Las voces de los dos músicos son suaves y aterciopeladas y con la calidad de la composición han conseguido hacerse un sitio en mi discografía más orientada a otros estilos. Y también ha sido momento para el regreso de otros que hacía tiempo que no compraba como Ken Navarro, uno de esos músicos que no varía ni un ápice su estilo pero que, a pesar de eso, consigue un nivel en sus discos excepcional, aunque hay que decir que The Grace Of Summer Light es su disco más diferente en años.

En New York aproveché también para hacerme con lo último de Sadao Watanabe, del que no compraba nada desde hacía mucho tiempo porque no es fácil encontrar música del genial altoista japonés aquí en Barcelona. Basie's At Night es un disco en directo con un sonido muy fresco que demuestra que Sadao es mayor pero musicalmente no lo parece. La vuelta de Eric Benet (Love & Life) y de Tony Rich (Exist) también han sido un empujón en el apartado más Soul de mi discografía, y aunque no son discos espectaculares sí tienen buena calidad.

Y para pocas cosas más ha dado tiempo el 2008. Ha sido un año que ha pasado volando gracias a la buena música que he comprado y gracias al tiempo que he pasado escuchándola. Veremos qué es lo que nos depara el 2009 en el aspecto musical y veremos si la crisis acaba de hundir una indústria que, y no será por mi aportación, parece que cada día está más sumida en la pérdida de ventas por culpa (o gracias) a internet. Pero para eso habrá que esperar todo un año. Feliz 2009!!!

J. Coltrane

David Sanborn: Here & Gone

2008-10-31T15:05:00.009+01:00

Pues el estreno con Decca de David Sanborn no podía ser mejor. No sé si después de pasar por Verve con dos buenos discos ésta será su última parada sin ánimos de continuar cambiando de sello cada poco tiempo. Sea como sea, el estreno en Decca ha sido espectacular. Dejando a un lado su sonido más melódico y dulzón, Sanborn se ha centrado en Here & Gone en un sonido más puro y más en la onda del mejor Jazz y Soul, todo junto para ofrecer una mezcla rica en sonidos y en la que demuestra que al saxo alto hay pocos con su sonido.

Tras 33 años de carrera en solitario y muchos otros como acompañante, Sanborn nos muestra un disco maduro de tradición jazzística y en el que además, como no podía ser de otra forma, se ha rodeado de los mejores y más reputados músicos de sesión como de cantantes de prestigio mundial. Uno de ellos ha sido Eric Clapton, seguramente por la amistad que les une, ya que juntos han estado durante muchos veranos de gira con la super Jazz band que montaban y desmontaban para pasearse por los escenarios de media Europa.

Como ya viene siendo habitual en sus últimos discos, parece que Sanborn ha dejado casi definitivamente la composición. Tiempo atrás sus discos siempre venían surtidos de varios temas propios, pero en los últimos cada vez hay menos material original del artista y ya casi todo son versiones a la Sanborn de temas clásicos. En este álbum, para mi gusto, destaca sobre todos los demás la versión de Stoney Lonesome, un tema trepidante por el ritmo y por el sonido que Sanborn le imprime de principio a fin.

Pero Here & Gone es mucho más que eso, es un pequeño homenaje al Mítico Ray Charles. En él encontramos o bien temas que fueron compuestos por Charles como I Believe To My Soul como otros interpretados con gran éxito por el legendario músico de Georgia: I'm Gonna Move To The Outskirts of Town o Basin Street Blues. Sin olvidar el pequeño tributo a Hank Crawford en forma de joya del Stoney Lonesome.

No hay que dejar pasar tampoco la aparición de Joss Stone, aquella jovencita blanca con corazón negro que aterrizó en la industria de la música como caída del cielo en 2003. Ahora nos brinda un Blues a dúo con Sanborn, el citado anteriormente I Believe To My Soul, tan espectacular como su voz. Con orquesta de vientos incluida que dejaría al mismísimo Ray Charles de piedra. Orquesta acompañada por otra parte por algunos nombres tan insignes como el baterista Steve Gadd, el bajista Christian McBride, el genial guitarrista y antiguo compañero de Harry Connick, Jr., Russell Malone y Gil Goldstein al Fender Rhodes que además hace de arreglista en todos los temas del disco.

Así pues, sea por la calidad, por el sonido, por los temas escogidos, por las colaboraciones... sea por lo que sea, Here & Gone es otro de esos discos que pide ser expuesto en la estantería de casa para lucir bien y para hacer, a ser posible, que de tanto escucharlo no caiga sobre él ni una mota de polvo. Yo, como todo lo que edita Sanborn desde hace un buen puñado de años, ya me he hecho con él y como siempre no me ha defraudado.

J. Coltrane

Earl Klugh: The Spice of Life

2008-09-23T15:36:00.008+02:00

Parece que definitivamente ha vuelto. En 1999 nos dejó Peculiar Situation, un disco tan suave como acostumbra, y todos creíamos que volvería tras un plazo razonable de tiempo de dos o tres años, pero no, el alejamiento de Earl Klugh de la música duró seis años, tiempo durante el cual hizo algunas colaboraciones pero no lanzó ningún disco a su propio nombre. Aquel Peculiar Situation era el estreno con Windham Hill, pero al final resultó ser una colaboración realmente corta.

No fue hasta 2005 que volvió a entrar en el estudio para editar bajo el sello Koch, uno de sus discos más intimistas que ya dejaba bien claro en el título del disco: Naked Guitar. El título lo decía todo, guitarra y nada más que guitarra en un disco con versiones de temas suyos y de clásicos interpretados a su estilo y sin acompañamiento alguno. Y tras ese disco me quedó la duda de si era una vuelta definitiva o simplemente una manera de hacernos recordar que el guitarrista de Detroit aún existía.

Ahora, en 2008 regresa con uno de sus discos de siempre. Sonidos relajantes, alegres y sobre todo, frescos. Si algo define la música de Klugh es la frescura de sus composiciones, desde las más vibrantes como Snap! hasta las baladas más románticas. La digitación de este talento es tal que uno tiene la sensación de poder seguir cada uno de los movimientos de sus dedos sobre las seis cuerdas de su guitarra acústica.

Qué mejor que abrir el disco con un tema como Ocean Blue. Es realmente un título sugerente para una mañana en la que uno se pudiera sentar frente al océano azul y dejarse llevar por el sonido de las olas y de la guitarra de Klugh. Sleepyhead es Klugh en estado puro, notas intensas y de sonido claro sobre una base rítmica de medio tiempo sin olvidarse del sólo de piano que se compenetra de maravilla con el sonido de la guitarra.

Tampoco podía faltar en este disco una balada como Venezuelan Nights. Si en algo se ha especializado Earl Klugh ha sido en componer algunas de las baladas más inteligentes y suaves que he oído nunca, sin permitirse caer en el exceso de azúcar, por lo que consigue baladas robustas y exquisitas. Y como tampoco podía dejar de ocurrir, los sonidos hawaianos vuelven a dejarse entrever por entre medio de los temas del disco.

También hay covers de temas clásicos, como un C'est Si Bon que no me acaba de coonvencer seguramente porque tras la versión de Louis Armstrong difícilmente habrá otra igual. Aquí la veo excesivamente suave y melódica. Una aproximación válida, desde luego. Otro gran clásico incluido en este disco es My Foolish Heart, una balada interpretada por Klugh como un medio tiempo que tampoco acaba de rematar de la forma en que podría.

El disco tiene otros buenos temas como Lucy's World y Morning in Rio, aunque dicho sea de paso que esa mañana en Rio podría ser en cualquier otro lugar del mundo, ya que no consigue transportarme a Rio de Janeiro de ninguna manera, aunque quizás tampoco era la intención del músico. Lo que sí me transporta es el sonido de sus músicos habituales, Ron Otis (baterista) y Lenny Price (saxo), que complementan perfectamente el estilo de Klugh y le añaden parte del estilo propio que él tiene.

Es curioso que tras tanto tiempo aún sigo comprando discos de Klugh y no dejaré de hacerlo. A pesar de que ya hace tiempo que no aporta nada a su música y repite casi siempre la misma estructura en sus discos, sigo teniendo ganas de hacerme con todo lo que edita este hombre. Realmente me tiene enganchado. Una vez más Earl Klugh demuestra ser un guitarrista con sólido trayecto y de sonido con una clase fuera de lo común, habiendo creado un estilo muy personal que lo define desde la primera nota, motivo por el cual la edición de The Spice of Life es una gran noticia.

J. Coltrane

El Partido Más Importante de Wayman Tisdale

2008-08-31T23:05:00.010+02:00

Definitivamente esto no lo merece nadie, el cáncer es esa enfermedad que nos persigue a todos y nos vigila desde cerca, y esta vez le ha tocado a uno de los más interesantes bajistas de la escena americana. Uno de los hombres que ha tocado y se ha divertido junto a los mejores: Marcus Miller, Kirk Whalum, Jonathan Butler, Dave Koz y muchos otros. Este ha sido el músico que se ha divertido sobre el escenario y lo ha demostrado con una sonrisa de oreja a oreja que lo ha acompañado desde su infancia.

Desgraciadamente esa sonrisa se ha quebrado en los últimos tiempos. Un accidente doméstico le provocó una caída en por las escaleras de su casa que tuvo como resultado la rotura de un hueso de una de sus largas piernas. Cuando los médicos vieron el estado de aquel hueso encontraron algo que no era normal. Tras un estudio no quedó la más mínima duda, el cáncer de huesos había golpeado la puerta de Wayman Tisdale.

Durante un largo tiempo el músico y antigua estrella de la NBA siguió un tratamiento de quimioterapia que le apartó de los escenarios y que era la única forma de hacer eliminar el cáncer de huesos de su cuerpo. Desgraciadamente y tras mucha lucha Wayman Tisdale ha tenido que tomar la decisión más complicada de su vida: la amputación de la parte baja de la pierna derecha. Una medida drástica pero que es la única posibilidad para que el cáncer no se extienda irremisiblemente por el resto del cuerpo.

El pasado 25 de agosto el jugador de Pacers, Sacramento Kings y Phoenix Suns se sometió a esa operación tal y como informaba en su propia web. En otros medios se ha podido leer que ha sido un éxito, así que el músico tiene planeado su regreso a los escenarios para el próximo otoño. Su último disco Rebound es todo un ejemplo de la lucha de este simpático y grandote personaje que dejó el baloncesto para dedicarse a la música de forma excepcional.

En Rebound, Tisdale ofrece un recital muy compensado de temas con un trasfondo religioso que es el que en estos momentos y junto a su familia le están ayudando a superar estos momentos tan complicados de la vida. Viendo el vídeo promocional de su anterior disco, Way Up, uno no entiende cómo alguien así puede haber tenido la mala suerte de haber sido llamado por el cáncer. Sin duda, éste es el rebote que Wayman Tisdale no puede dejar escapar porque este partido hay que ganarlo.

J. Coltrane

En Vivo: Diana Krall

2008-08-04T09:28:00.008+02:00

Lo malo de ir a ver a una artista como Diana Krall es que el nivel está tan alto, y la calidad de la pianista y su banda es tan grande, que no llega uno a sentirse sorprendido durante casi ningún momento del concierto. Simplemente esperas que salga al escenario con sus músicos y lo haga tal y como lo hizo ayer noche en el Festival Castell de Peralada, de lujo. Con 15 minutos de retraso Diana Krall apareció resplandeciente y con su preciosa cabellera rubia sobre el impresionante escenario del Castillo de Peralada aguantando un calor que derretía.

Con jeans, una chaquetilla con tonos rojizos y lentejuelas doradas y unos zapatos de tacón se presentó junto al resto de su banda, el guitarrista Anthony Wilson, el baterista Jeff Hamilton y el contrabajista Robert Hurst. Todos, aboslutamente todos demostraron un nivel fuera de lo común sobre el polivalente escenario del castillo. Los solos de Wilson son para llevárselos grabados a casa, los del Hamilton son absolutamente espectaculares aunque el músico derrochan toque y finura durante su ejecución normal de los temas, y Hurst hizo arder las cuerdas de su contrabajo con solos veloces y perfectamente ejecutados.

Si algo tiene la banda de Diana Krall, además de quitar la respiración, el hipo y varias cosas más, es que demuestran entenderse a la perfección todo el tiempo. Los detalles de estar sólidamente conjuntados y compenetrados se van sucediendo durante toda la actuación. Con sólo cuatro instrumentos la banda de Diana Krall supo llenar de música el exageradamente grande escenario del castillo. Sí, porque como el escenario vale tanto para un roto como para un descosido, pues se vio medio vacío cuando sólo cuatro músicos estaban sobre él. A pesar de todo, la mezcla de colores que ofrecía la iluminación del lugar sobre el fondo del escenario era de una elegancia exquisita.

Lo que no fue una sorpresa en la actuación de la cantante canadiense fue el repertorio. Como es habitual desde hace varios años empezó con la vibrante y ultra rápida I Love Being Here With You en la que permitió lucirse a sus músicos. Personalmente en esa canción y en el resto me pareció brutal la forma de tocar y de atacar a la guitarra de Anthony Wilson. Y bueno, tras eso pocas novedades si uno ha escuchado el Live in Paris; la mayor parte del repertorio es el mismo: 'S Wonderful, The Look Of Love, Devil May Care, etc... A excepción de algún que otro tema, casi no añadió piezas de su último disco. Cosa que es un problema de cara a futuros conciertos, ya que no acostumbro a repetir concierto si sé que el repertorio es copia del que ya he visto.

Una de las novedades agradables fue la curiosa interpretación de Let's Face The Music And Dance, al que dotó de un carácter intimista y muy diferente del original donde brilló el sonido de su piano. Otro tema que convirtió en una sensual ballada fue But Not For Me y que también resultó en algo curioso y original. Dicho eso, cabe también decir que para mi gusto Diana Krall abusa en exceso de las balladas. Sinceramente creo que debería usar más temas de tempo intermedio porque en esos su voz suena realmente bien, aunque por algún motivo salta de balladas ultra lentas a temas de ritmo trepidante.

A parte de todo, el concierto fue como llevar un reloj de lujo encima. Fueron 90 minutos exactos con bis incluido que se me hicieron terriblemente cortos, por lo que cuando decidió marcharse del escenario por segunda vez ya intuí que el show había terminado. Igualmente la gente del lugar tampoco pareció que estuvieran dispuestos a trabajarse mucho un nuevo bis. Sea como fuere el nivel de la audiencia era el que me esperaba, gente de punta en blanco que iban a un concierto como quien va a una recepción del embajador.

Tengo que decir muy a mi pesar que la ley de Murphy volvió a hacer de las suyas. Cuando voy a un concierto me gusta tener a los músicos de forma que pueda observar su movimiento de manos para ver la forma y el estilo que tienen tocando su instrumento. En esta ocasión, una vez más, el piano de Diana Krall me tapaba sus manos, así que, una vez más, mis dudas de si compro las entradas en el lado derecho o el izquierdo volvieron a no servir para nada. Volví a ponerme en el lado equivocado... aunque pensándolo mejor, quizás es algo bueno, porque así ya tengo la excusa perfecta para volver a ver a esta excepcional pianista canadiense.

J. Coltrane

Richard Bona: Bona Makes You Sweat

2008-06-28T09:37:00.003+02:00

Una de las cosas de que diferencian a Richard Bona de otros músicos o grupos es que uno podría verlo en concierto miles de veces sin cansarse. La potencia y calidad del directo de este artista camerunés es simplemente genial. Cuando el bajista empieza a desplegar todo su armamento musical es complicado detenerlo, y entonces sucede lo de siempre, conecta con el público de tal manera que uno siempre quiere más.

A Richard Bona lo he visto ya 4 veces en concierto y sigo sin cansarme. Es de esos pocos artistas que visita Europa muy amenudo a pesar de tener un gran cartel en Estados Unidos. Le gusta recorrer la geografía del Viejo Continente a pesar de que podría hacer giras exclusivamente por América, donde ha tocado junto a los mejores. Pero en cambio casi cada verano aparece por España y además para dar una buena serie de conciertos.

Y ahora, para rematar un gran trabajo, Bona ha decidido sacar a la venta un disco de esos directos tan espectaculares que por suerte pasan la prueba del salón. No son muchos los discos de directos que pasan esa prueba, y diría más, son muy pocos los directos que a uno le apetece sentarse a escuchar en el salón de su casa. Normalmente el directo suena pesado en casa, pero en cambio este disco se comporta de forma excelente en esa tesitura. Este disco fue grabado en Budapest y suena como si uno lo estuviera viendo en la capital húngara.

Recuerdo haberlo descubierto en el festival de Jazz de Vitoria/Gasteiz hace cosa de 7 años, cuando acompañaba al bajo a una super banda formada por Joe Sample, Steve Gadd, David Sanborn. Recuerdo que aquella noche el músico interpretó uno de sus temas más relajados y además me dejó impresionado su capacidad técnica. El músico es un fan del maestro Jaco Pastorius, del que llegó a memorizar muchos de sus solos, lo que le ha dado un nivel técnico casi inigualable.

La espectacularidad de Te Dikalo, de O Sen Sen Sen, o de Kalabancoro, mezclada con la simpatía y la capacidad técnica del artista hacen que sea todo un placer verlo y oírlo constantemente. Porque además el tipo es sumamente simpático y no se limita a tocar su música y marcharse a casa como hacen muchos otros divos del Jazz. Bona conecta con el público y lo hace de la mejor manera, con una música que engancha desde la primera nota.

El artista, que canta siempre en su idioma natal de camerún, tiene una voz fina y sumamente especial que lo diferencian de otros cantantes. A pesar de que muchos de sus discos son bastante irregulares esta vez ha conseguido un disco terriblemente perfecto con sus mejores temas en directo que no hay que perderse por nada del mundo.

Te Dikalo

Kalabancoro

O Sen Sen Sen

J. Coltrane

Marcin Wasilewski: January

2008-05-25T10:20:00.007+02:00

A veces sucede, no es lo normal, pero a veces sí pasa. Caminaba yo por la FNAC de los Champs Elysees cuando una preciosa melodía de piano llegó a mis oídos. Normalmente suelo estar atento a los sonidos que me gustan, y cuando el piano de Marcin Wasilewski llegó a mis oídos me dejó impresionado. No me hizo falta escuchar más que una canción y ver que el artista polaco grababa para ECM, el sello de Jazz más intimista, para decidirme a comprar aquel disco.

Con apenas 33 años, el músico polaco ha realizado un disco emocionalmente intenso, lleno de interesantes excusiones sobre las teclas de su piano y con un carácter muy particular que te obliga a sentarte y relajarte escuchándolo. Un disco realmente maduro para su edad pero quizás no para alguien que empezó a tocar el piano a los 7 años y que a los 13 cambió al Jazz porque le impresionó demasiado Oscar Peterson, Chick Corea, y Keith Jarrett entre otros.

Quizás en su música no noto tanto a los primeros como a Jarrett, el excéntrico pero genial pianista, con el que comparte ese sonido tan personal que ambos tienen. Sea como sea, basta con escuchar alguna de sus piezas del último trabajo, January, para descubrir un músico con un talento enorme y que no circunscribe exclusivamente a sus colaboraciones con Tomasz Stanko, veterano y reconocido trompetista polaco con el que se dio a conocer allá por 1993.

Como decía, January es su segundo trabajo sin su mentor Stanko. Posterior a Trio, su primera incursión al mando de un trío junto a Slawomir Kurkiewicz y Michal Miskiewicz, January es un trabajo intenso que demuestra que pese a su edad, Wasilewski es un pianista maduro y con una categoría fuera de lo común. Sin ir más lejos, sólo basta escucharlo en el tema de Ennio Morricone, Cinema Paradiso, en la adaptación del Diamonds & Pearls de Prince pero sobre todo en el tema que da título al compacto, siendo en todos visible la perfecta fusión que hay entre los integrantes del trío.

Todo ha sido cuidado con la exquisitez y el diseño que acostumbra ECM. La portada del disco es una fotografía no sabría decir qué es pero que es muy del estilo de la discográfica que firma el disco. Diez son los temas escogidos por Wasilewski para rematar un disco impactante, 5 temas suyos originales y otros cinco en los que versiona de forma muy personal temas de otros. Desde luego, es un pianista a seguir porque, al menos para mí, ha sido toda una sorpresa. Espero que para vosotros también.

Marcin Wasilewski - Cinema Paraiso

Marcin Wasilewski - Diamonds & Pearls

Marcin Wasilewski - January

J. Coltrane

¿Y A Quién No Le gusta Sinatra?

2008-05-14T00:06:00.008+02:00

Si algo para mí es síntoma de calidad musical es la capacidad de un artista de influir en las generaciones posteriores. Ni la técnica, ni los millones de copias vendidas, ni los fans, nada de eso es comparable con tener un estilo propio y característico que te distinga del resto. Lo otro se puede conseguir con una buena campaña de márketing pero tener tu propio estilo no.

Seguro que hay muchos que dirán que Sinatra no tenía voz, que no componía los temas, que no arreglaba, que no sabía nada de música... pero, la verdad, a Sinatra todo eso no le hizo ninguna falta, porque Sinatra era Sinatra, porque Sinatra fue (y sigue siendo) la inspiración de muchos cantantes que intentaron imitar algo que nunca llegaron a conseguir, cantar como Frank Sinatra. Muchos le han imitado, pero muy pocos han estado a la altura.

Una carrera marcada por la música, el cine y los escándalos varios, que hicieron que Frank Sinatra, el artista, fuera y siga siendo un punto de referencia ineludible en la música americana del siglo XX, especialmente en la década de los 50 y los 60, en las que consiguió hacerse con 8 Grammy's. Y desde entonces hasta ahora han sido más de 500 millones de discos los que ha vendido en todo el mundo.

Sinatra supo rodearse de los músicos más relevantes de la historia del Jazz y grabó algunos de los mejores discos en la cima de su carrera, e incluso durante su ocaso. Eso y una vida intensa vivida de principio a fin a "Su Manera" le han convertido en todo un símbolo de la historia de la música moderna.

Sonriendo, con sombrero, sosteniendo un cigarro por la mitad y elegantemente vestido con traje y corbata es como siempre recordaré a Sinatra. En este mundo que nos rodea donde la elegancia en el vestido ya no forma parte del espectáculo me produce una sensación especial poder recordar a Sinatra con esa elegancia. Y es que quizás no habrá sido el mejor, pero habrá sido Sinatra.

J. Coltrane

Ella, Louis & Oscar

2008-04-06T18:11:00.009+02:00

Separados por más de 30 años desde su grabación y por casi 50 desde su edición, The Complete Ella Fitzgerald & Louis Armstrong (Verve) y The Legendary Oscar Peterson Trio Live At The Blue Note (Telarc), tienen un factor en común que los hace curiosos para mí ahora que llegan ambos a mis manos después de bastante tiempo estando en mi lista de discos en reserva. En las dos ediciones podemos disfrutar del trío por excelencia de Peterson: Ray Brown, Herb Ellis y el propio Peterson.

Ambos editados en formato box set y con unas geniales presentaciones, tienen un sonido espectacular, en especial The Complete Ella Fitzgerald & Louis Armstrong, editado por primera vez en 1957 y reeditado 40 años más tarde ya en formato CD y con el mimo con el que nos acostumbra Verve, o sea, remasterizado para dejar un sonido impecable.

El otro disco, The Legendary Oscar Peterson Trio Live At The Blue Note es otra pequeña joya que fue grabada en el Blue Note de New York entre el 16 y el 18 de marzo de 1990, y que aunque fue editándose paulatinamente, no se lanzó en formato caja hasta 2004. Aquellas noches vieron la magia del trío por excelencia de Peterson, al que se le sumó Bobby Durham a la batería para rematar la faena.

La verdad es que no compré esos discos sabiendo que encontraría en su interior a los mismos músicos pero treintaitantos años después, simplemente quería hacerme con un disco en directo como homenaje a Peterson, ya que era uno de esos músicos con el que tenía un asunto pendiente desde hacía mucho tiempo. Lo de Ella & Louis era una cuestión de lógica, me apasiona la una y me gusta el otro, así que la unión de ambos sólo podía resultar genial.

Aunque es cierto que el trío de Peterson tuvo sus más y sus menos, fueron decenas de discos, colaboraciones y conciertos por medio mundo durante los 40 años los que los ha unido. Y una de esas colaboraciones estelares del trío fue con dos de los personajes más significativos de la historia del Jazz: Ella Fitzgerald y Louis Armstrong. Y no fue la única, hubo muchos más discos en los que colaboraron juntos The Duke Ellington Songbook, así como directos como el Live at The Opera House.

4 cd's en el caso de Peterson y 3 en el caso de Ella y Louis y extensa información en los libretos son el contenido de estas dos ediciones más que especiales que contienen clásicos como el Honeysuckle Rose, I Wished on the Moon y Here's That Rainy Day en uno, así como el Stompin' At The Savoy, Autumn In New York y They All Laugh en el otro. Sencillamente, dos ediciones geniales que, en el caso de la de Verve, contiene hasta los números de take que fueron escogidos para la versión final del disco allá por 1957.

El sencillo traje de Fitzgerald o la perenne sonrisa de Armstrong junto a su pañuelo blanco son el primer detalle visible de la reedición de 1997 en formato acordeón. La estética no se cuidaba tanto en aquellos tiempos. El disco de Peterson, sin tener un diseño especialmente gracioso, está bien cuidado y resume una trayectoria en directo más que impecable junto a sus músicos de confianza: Ray Brown y Herb Ellis. En definitiva, dos discos que hay que comprar sí o sí.

J. Coltrane

Fundación Tony Manero en Concierto

2008-03-30T10:47:00.005+02:00

Una gran decepción. Eso ha sido lo que me llevé ayer noche al ver en concierto a Fundación Tony Manero. La verdad es que me esperaba mucho más de ellos, básicamente porque cuando los había visto en televisión creía que tenían otro nivel. Pero ayer, en el Pianoblau de Granollers, me dejaron con mal cuerpo.

Quizás fue el terrible sonido, quizás el excesivo volumen de la música, quizás que desde el principio ya todos sabíamos que el cantante acabaría sin la camiseta y enseñando sus Calvin Klein, o quizás es que esperaba ver otra cosa, pero hacer buen funk no es sólo juntar a un buen puñado de músicos a los que les gusta esa música y ya está, ni usar los clichés del género que otros ya usaron mucho antes y, mucho menos, cantar canciones con la poca claridad que lo hicieron ayer noche.

La verdad es que el principio me gustó mucho, e incluso tuve un flash a Incognito con el tema intrumental que abrió la velada. Salieron al escenario como hay que hacerlo, con potencia y ritmo, aunque por desgracia sólo dos canciones después ya me habían producido una fatiga auditiva que no me pude quitar hasta que terminó el concierto debido a la locura e histeria musical que demostró la banda. Desde luego nada que ver con Incógnito.

Uno de los pilares básicos del funk ha sido siempre un buen bajo. El bajo siempre marcó el ritmo y dio vida al funk, por lo que una banda que pretenda hacer funk debe cuidar mucho ese aspecto, y FTM no lo han cuidado. La apariencia del bajista era más la que tendría si tocara con Rosendo o Barón Rojo que la que tendría el bajista de Kool & The Gang.

Incluso los gestos del bajista era los que hace uno de rock duro, pero lo peor no era eso, si no que el bajo no le dio la fuerza al pretendido funk que quería hacer FTM. La fuerza recayó más en la batería y los metales que en el bajo, por lo que nunca llegué a tener la sensación de estar escuchando buena música funky.

Cuando por un momento se acercaron a la salsa y hasta rumbearon un poco ya me quise morir y sólo me dediqué a mirar el reloj esperando que terminara aquella agonía. Pero antes de que terminara el jolgorio hubo un poquito de recuerdo al funk de antes, con una triste adaptación del genial Last Night a DJ Saved My Life, que fue el colofón a un concierto bastante flojo.

No es fácil manejar con gusto, precisión y sentido una banda de 10 personas, y cuando no lo haces puede pasar lo de anoche, que la mezcla loca de músicos vuelva loco a cualquiera. Ayer noche demostraron tener nivel para hacerlo mucho mejor y, sobre todo, demostraron tener ganas sudando sobre el escenario lo que no está escrito, pero sólo con eso no basta para hacer buen funk.

J. Coltrane

Lizz Wright: The Orchand

2008-02-25T22:36:00.002+01:00

Uno podría cerrar los ojos y verse en el mismísimo centro de la América negra mientras escucha The Orchand, el nuevo disco de Lizz Wright. Esta música, así como Lizz Wright, vienen de ese lugar, de los estados sureños. Es en esa zona rural donde la mayoría negra y el calor sofocante han sido acompañados tradicionalmente por el Gospel, R&B y el Jazz, y la música de Lizz Wright representa perfectamente esa tradición.

Y recién estrenado como tengo The Orchand, que salió en EEUU hace tres semanas, no hago más de disfrutarlo de principio a fin, y lo primero que veo es que queda ya lejos Salt, su primer disco producido por Tommy LiPuma y Brian Blade. Ese disco fue más orientado a Jazz, mientras que The Orchand está más enfocado al R&B. Las guitarras eléctricas, los Hammond y la guitarra pedal steel le dan ese sonido.

Como no podía ser de otra forma, este disco es relajado, sensual y elegante. Con un sonido muy acústico pero algo más áspero de lo que lo fueron los dos primeros, The Orchand es un gran paso adelante en la carrera de la cantante de Georgia. Y como ya sucedió en Dreaming Wide Awake, sigue habiendo una estrecha colaboración con Craig Street, el que ha sido productor de Cassandra Wilson, k.d. lang y Me'Shell NdegéOcello.

Una presentación fantástica como suele ser habitual en el sello Verve Forecast y trece temas. Muchos de ellos co-escritos con Toshi Reagon (que ya colaboró tímidamente con ella en Dreaming Wade Awake), y hasta el genial Hey Mann, escrito por la madre de este. La voz de Wright con la composición de Reagon forma un tándem genial en The Orchand.

Una curiosidad ha sido ver entre las composiciones Another Angel, una colaboración de John Leventhal, el que trabajara codo con codo con Marc Cohn en sus dos primeros discos. Quizás es el tema más pop del disco. También son curiosas las versiones del clásico de Ike Turner y una del dúo de rock Jimmy Page y Robert Plant.

Speak Your Heart contiene un sutil dúo con el cantante Marc Anthony Thompson (no confundir, please). Un tema de lujo. Así como los temas Leave Me Standing Alone, My Heart y la genial versión del I Idolize You, una cover del tema de Ike Turner, con guitarra eléctrica y hammond incluidos. Coming Home, el tema que abre el disco, es la muestra de que el sonido sureño de Lizz Wright ha vuelto definitivamente a casa.

Puede parecer una contradicción, pero lo cierto es que a pesar de lo bien que canta esta mujer, sus conciertos son un auténtico tostón. Como centra su música en baladas, luego los directos son aburridos, y no sabe sacarles el máximo partido. A pesar de centarse en las baladas, yo esperaba mucho más de ella en concierto, pero no fue así.

Su voz es tan impresionante como la que graba en estudio, pero su problema es que, sobre el escenario, es fría y rígida como una estatua. Exactamente igual que la banda que la acompaña en directo. Aunque reconozco que no la volveré a ver en concierto, Lizz Wright seguirá siendo una de mis cantantes favoritas, por lo que seguiré comprando sus geniales discos, mezcla de Jazz, R&B y Gospel.

Lizz Wright - My Heart

Lizz Wright - I Idolize You

Lizz Wright - Another Angel

Lizz Wright - Leave Me Standing Alone

J. Coltrane

Satchmo's Lullaby

2008-02-17T00:31:00.002+01:00

Dentro de la película La Paloma, dirigida por Paul Martin y estrenada en julio de 1.959, se encuentra una pequeña joya y uno de mis temas preferidos dentro de la discografía de Louis Armstrong. Esta película contuvo algunos de los clásicos alemanes de la época, entre ellos Satchmo's Lullaby.

Cantanda junto a Gabriele, este curioso tema no acostumbra a aparecer en las decenas de recopilatorios que han aparecido de Louis Armstrong en los últimos años. Por suerte, y como no podía ser de otra manera, Youtube nos ofrece la posibilidad de disfrutar de esta rareza de Armstrong.

J. Coltrane

25 Años de Thriller

2008-02-11T20:50:00.000+01:00

Cuando Michael Jackson era todavía negro, cuando el vídeo musical era como una película que contaba una canción y mucho más, cuando todavía tenía al mejor productor del mundo, en aquel momento nació la joya de la corona de la discografía de Michael Jackson, un punto y a parte en su carrera y en la historia de la música moderna.

25 años, más de 100 millones de discos vendidos y más de dos años en las listas de ventas dan fe de la grandeza de este disco, que aunque la revista Rolling Stone sólo califica con 4 estrellas sobre cinco, es el mayor hito musical de la historia. Un premio para quien se dejara la quinta estrella.

En Thriller, Jackson y el genial Rod Temperton ofrecieron los mejores temas de sus respectivas carreras. Pero sin olvidar que aquella época, junto a Quincy Jones, Michael Jackson hizo otros grandes trabajos como el genial Off The Wall y el algo menos bueno Bad.

En Thriller, Quincy Jones desplegó todo su poder musical y juntó en el estudio a los mejores músicos de sesión que se podían encontrar en la costa Oeste. Dean Parks, Steve Lukather, Paul Jackson Jr., Larry Williams, Jerry Hey, Gary Grant, Bill Reichenbach, Jeff Porcaro, N'dugu Chancler, Paulinho Da Costa, Greg Phillinganes, etc...

A modo de recuerdo, os dejo lo que aún hoy sigo viendo, y emocionándome, al recordar aquella noche de hace 25 años cuando vi convertirse a Michael en un zombi y mirarme directamente a la cara con aquellos ojos amarillos que tanto miedo me dieron. Qué pena que su música se fuera diluyendo de la misma forma que lo hizo el color de su piel...

J. Coltrane

Clonando Sonidos

2008-02-03T11:01:00.000+01:00

Una de las cosas que desde mi punto de vista hace que un músico sea más o menos bueno es la influencia que tiene en las generaciones posteriores. Hay grandes músicos, con técnicas depuradísimas, que no han conseguido sonidos que les hayan diferenciado y que, por tanto, hayan servido de referencia a los más jóvenes.

Dos de mis iconos musicales son precisamente de la clase de músicos que no han pasado por ser simples comparsas, han creado un sonido propio y característico que los ha marcado y ha definido sus carreras y las de aquellos que los han seguido. Ellos son Grover Washington, Jr. (desgraciadamente muerto en 1.999) y David Sanborn, saxo tenor el uno y alto el otro. Defintivamente mi vida no sería la misma sin su música.

El primer disco de Grover Washington, Jr. que cayó en mis manos (Winelight) lo hizo por pura casualidad y me dejó tan paralizado que tuve que empezar a comprar discos suyos sin poder parar. Y digo que fue por casualidad porque llegó a mí cuando lo encontré en una vieja caja de casettes que corría por casa hará cosa de 18 años.

A Sanborn lo escuché en un bar en el que no acostumbraba a haber Jazz, de eso también hace como 18 añitos de nada. Su sonido me pareció tan increíble que me fui al camarero a preguntarle quién era el tipo aquel que tocaba el saxo alto con aquella fuerza y brillo. Y el lunes siguiente rescataba unos ahorrillos para comprarme su disco Close-Up.

Tras todo este tiempo y decenas de discos, su grandeza y su sonido peculiar se fueron haciendo básicos en mi discografía, a la vez que lo fueron para otros músicos, en los que influyeron de forma notable. Son muchos los que se han visto influenciados por el estilo de ambos, pero valga para la muestra, los saxofonistas Euge Groove y Warren Hill. Si os fijáis, encontraréis muchos parecidos entre cada uno de ellos.

David Sanborn - Neither One of Us (1982)

Warren Hill - Maybe Tomorrow (1982)

Grover Washington - Don't Take Your Love From Me (1989)

Euge Groove - Mr. Groove (2007)

J. Coltrane

Have Yourself A Merry Little Christmas

2007-12-25T20:22:00.001+01:00

Una de las mejores maneras de despertarse el día de Navidad es escuchando villancicos. Si hay un villancico que siempre suena en mi casa tal día como hoy desde hace muchísimos años ese no es otro que Have Yourself A Merry Little Christmas, mi canción navideña preferida. Así que hoy, siguiendo mi línea de posts de versiones de temas musicales, me apetece felicitaros las fiestas con esta bonita canción.

Este es otro de esos temas que no tiene caducidad, una canción especial que gracias a muchos artistas se ha convertido en lo que es, un clásico. Han habido versiones mejores y otras peores, como es normal, pero han sido cientos de ellas las que se han sucedido desde 1.944 cuando Judy Garland la cantó por primera vez en la genial película de Vincente Minelli, Cita en St. Louis (Met Me In St. Louis).

Desde entonces, el tema ha evolucionado mucho y las versiones se han sucedido sin parar. El mundo del Jazz no se ha mantenido al margen y ha hecho grandes versiones del tema. Una de las mejores ha sido sin duda la de Ella Fitzgerald. La espectacular voz de la diva y el Swing que le introdujo certificaron una versión de lujo. Sinatra también hizo de las suyas con el tema, aunque creo que no fue tan buena como hubiera podido ser.

Hay otra versión, que me parece también de las mejores, que es la interpretada por el genial James Taylor. La suave voz del cantautor americano es un regalo para el tema y la convierte en una de mis favoritas. No me gustaría dejar de mencionar otras buenas versiones como la que hizo Grover Washington, Jr. en 1997, la de Diana Krall en 2.005, así como la de Tony Bennett este mismo año.

Eso sí, si Michael Bolton hubiera estado bajo arresto policial no nos hubiera podido obsequiar con su versión del tema. No es la canción, es él. Otro de los que se suman al carro del "a ver que hago ahora", y deja su edulcorado y triste estilo de cantante de baladas para lanzar varios discos con mucho Swing y poca vergüenza. También, entre las peores versiones que he oído, están la de los Pretenders, que es directamente para tirarse a la bebida, y una terrible de los Jackson 5, que no sé qué les habría hecho papá la noche anterior.

Hay otras buenas versiones interpretadas por grandes artistas, como son las de Luther Vandross, Christina Aguilera, Toni Braxton, e incluso la de Kenny G, ya que por suerte usa el saxo tenor para olvidar por un rato el sonido cansino de su saxo soprano. Pero de todas, yo me quedo con las de Ella y James Taylor. Feliz Navidad.

Ella Fitzgerald

James Taylor

Babyface

Frank Sinatra

Christina Aguilera

Tori Amos

Tony Bennett

The Pretenders

Jackson 5

Michael Bolton

Luther Vandross

Katie Melua

Grover Washington, Jr.

Toni Braxton

J. Coltrane

Feliz Navidad

2007-12-25T09:49:00.000+01:00

Judy Garland - Have Yourself A Merry Little Christmas

J. Coltrane

Asstrio en Concierto

2007-12-15T10:29:00.000+01:00

Después de la decepción de ver a los Asstrio en la Mercé de este año, no por ellos, que lo hicieron muy bien como siempre, si no por el público que se presentó al concierto porque era gratis y que en realidad no le interesaba nada la música, tenía ganas de verlos otra vez en directo, y van 3. Como tiene que ser, el grupo se ha presentado con su estética tradicional, traje negro y corbata roja.

Pero claro, el riesgo que corres cuando invitas a un concierto a padres, madres, tíos, sobrinos y hasta al canario, es que cuando la actuación ha recorrido tres temas, la familia se ha cansado y les da por hablar y comentar la jugada. Ese es un problema cuando pagas una entrada para ver a gente del nivel de Asstrio y detrás tuyo alguien no se ineteresa por la música.

Y es que esta noche demasiada gente ha sido invitada al concierto de presentación de Desplazamiento, el último trabajo del grupo. Los nuevos temas, presentados en la sala 3 del Auditori de Barcelona, han sonado de lujo, ya que el local es una verdadera sala de conciertos. Acogedora y con muy buena acústica.

Hoy, al igual que las otras dos veces que les he visto en directo, me ha vuelto a hipnotizar la batería de Serratosa. Este chico, del que yo diría que es el 50% del sonido del grupo, es uno de los bateristas más Funk que he visto nunca. Sin ser un batería de corte fino, sí es muy espectacular y consigue vestir al grupo con una potente base Funk. La guitarra de Careta y los teclados y la programación de Smith son también espectaculares.

Esta noche, además, hemos podido disfrutar de tres colaboraciones de lujo. Las tres al micrófono y, las tres, féminas con unas voces impactantes. Sonia Isidro, Karolien Greenacre, y la vocalista habitual del grupo, Laia Cagigal, han ofrecido tres visiones diferentes de cómo cantar. Personalmente me quedo con la segunda, aunque las otras dos lo han hecho realmente bien.

Una vez más, creo que en directo, el grupo sigue pecando de hacer temas excesivamente largos, en los que los breaks se hacen ligeramente tediosos y aburridos, con un exceso de ruiditos de sintentizador, y que llegan a matar el ritmo del concierto en según que momentos. Por suerte, el trío sabe acelerar rápidamente y devolvernos a lo más alto en pocos segundos.

La fusión de los instrumentos con las bases sampleadas encajan a la perfección, y aunque esa programación electrónica frena un poco cualquier intento de improvisación, el resultado es espectacular. La música de Asstrio es algo que hace diez años hubiérmos etiquetado como Acid Jazz, y que ahora lo podríamos dejar en electro-Jazz/Funk, aunque teniendo en cuenta ciertos toques house, Soul y en menor media, y por suerte, ska y pop/rock.

Arecio Smith, Santi Serratosa y Santi Careta, o lo que es lo mismo, Asstrio, se han consolidado poco a poco en la escena nacional con un sonido elegante y sólido. Demostrando ser uno de los grupos españoles más vanguardista del momento y un referente a nivel nacional, con un sonido propio y original, mezcla de Jazz, Funk y electrónica. Habrá que seguirlos bien de cerca.

Asstrio - Hit Jotero

Asstrio - Miquel House

Asstrio - Jesus Paleta

J. Coltrane

Standing In The Shadows Of Motown

2007-12-06T22:15:00.001+01:00

Para los que, como yo, además de leer los nombres de los temas de un disco, leemos quién toca qué, quién produce, quién arregla y demás, no pasarán de largo los nombres de, entre otros, James Jamerson, Joe Hunter, Earl Van Dyke, Joe Messina, "Benny" Benjamin, "Pistol" Allen, Jack Ashford, etc...

Todos ellos, y alguno más, fueron The Funk Brothers, fueron el sonido Motown. Ellos marcaron las tendencias y el sonido de la música negra durante una docena de años, la época dorada de la Motown. Los 60 y el principio de los 70. Por desgracia ni siquiera fueron incluidos en los créditos de aquellos discos hasta que el What's Going On the Marvin Gaye explotó en 1.971 en las listas de éxitos.

¿Y qué tiene ese de grupo de músicos que los hace diferentes a otros?, pues que es la banda que ha tocado más números uno de la historia. Nativos de Detroit, la cuna del sello Motown, fueron los músicos de sesión a los que la discográfica acudió cuando, durante el apogeo del Soul y el Funk, se iban fabricando sin parar números uno en las listas de éxitos.

Más tarde, cuando las tendencias del mercado hicieron que el epicentro musical se desplazara hasta Los Angeles, fueron los músicos de sesión de esa ciudad los que interpretaron los temas de los discos de la Motown. Pero ya eran otros tiempos y otros gustos, y The Funk Brothers cayeron (aún más) en el olvido.

I Heard It Through The Grapevine, What’s Going On, Ain’t No Mountain High Enough, Papa Was a Rollin' Stone, Signed, Sealed, Delivered I'm Yours, y tantos otros números uno que hicieron que ni los Beatles, Rolling Stones, Elvis Presley y los Beach Boys juntos consiguieran poner tantos temas en lo más alto de las listas de éxitos que ellos. A todos esos hits los Funk Brothers les dieron el bagaje que el Jazz hizo correr por sus venas.

No fue hasta 2.002, con muchos de los hermanos ya muertos, cuando un grupo de estrellas de Soul y Funk moderno, se unieron a los que aún vivían para grabar un disco y concierto en directo en homenaje a aquella generación excepcional de músicos que lideró desde las sombras una de las épocas más excitantes de la música negra.

También en 2.002 recibieron el Grammy a la mejor interpretación vocal de R&B junto a Chaka Khan por su interpretación del What's Going On, y no fue hasta 2.004 que recibieron el Grammy honorífico por su contribución a la música moderna, pero ya fue demasiado tarde.

J. Coltrane

Room 335

2007-11-27T21:05:00.000+01:00

Larry Carlton es para mí, y ya sin ninguna duda, un clásico de toda la vida. Conocí su música allá por 1992 y desde entonces no he parado de devorar todo lo que ha puesto a la venta. Desde que aterrizó en The Crusaders para aportarles influencias rockeras, hasta hoy, el maestro guitarrista ha pasado por el Blues y el Jazz con esos toques acústicos que le han hecho tan conocido.

Interpretar el tema central de la serie Hill Street Blues le catapultó a la fama, pero su calidad como compositor pero sobre todo como guitarrista le han encumbrado a lo más alto del Jazz y el Blues. Estos méritos le han dejado nada menos que tres Grammy's, uno de ellos en 1981, por el tema de Hill Street Blues.

Tuve la suerte de verlo en directo en Barcelona hace dos años, primero en solitario y luego con su grupo Fourplay, y fueron otros de esos conciertos que dejan huella. Un viejo guitarrista que lleva 40 años sobre los escenarios tocando sus éxitos de toda la vida, doliéndose ya de sus manos tras cada solo, pero demostrando que todavía tiene muchas cosas por ofrecer, y entre ellas este brutal Room 335:

Room 335

J. Coltrane

Queen Latifah: La Reina Del Soul

2007-11-20T21:13:00.000+01:00

Parece que alguien está aconsejando bien a Queen Latifah últimamente. La verdad es que han sido demasiados años y demasiados discos dedicados al rap. El rap es un estilo que me gusta, no me emociona pero sí me gusta. El problema es que una voz como la de esta mujer no se puede desperdiciar cantando rap. Ese es un estilo que requiere una técnica especial, pero que no necesita a la voz de Latifah.

Si me gusta el Soul y el Jazz, podéis imaginar que me vuelve loco la mezcla entre esos dos estilos, justo cuando un artista mezcla sutilmente lo uno con lo otro, resultando en un todo excepcional. Eso mismo es lo que ha hecho Queen Latifah en sus dos últimos discos. El último de los cuales, Trav'lin' Light ha salido hace escasos días a la venta. Si The Dana Owens Album fue una suma de temas excepcionales, Trav´lin' Light es más de lo mismo.

Si pretendiera hacer la lista de los músicos de prestigio que aparecen en este disco tendría que alargar el post varios días, así que sólo comentaré que el nuevo CD tiene un cast superior al anterior, que ya era brutal. Aquí se encuentran entre otros Tommy LiPuma, Joe Sample, Jeff Hamilton, Christian McBride, Paul Jackson, Jr., Stevie Wonder, George Duke y un sin fin más de músicos de Jazz que hacen creíble lo que Latifah nos ofrece con su estilo y voz depurados.

Trav´lin' Light quizás no tiene temazos tan conocidos como los tuvo The Dana Owens Album, excepto Quiet Nights of Quiet Stars, I'm Not In Love y I Love Being Here With You, pero es algo más homogéneo que el anterior. Temas más Jazz o más Soul en función de la producción. Con LiPuma y la orquesta de Jeff Hamilton el Jazz de mejor calidad y la gitarra de Anthony Wilson están presentes siempre. Si es Ron Fair hay más Soul e incluso Blues.

La versión de I Love Being Here With You es simplemente genial. Nada que ver con la que cantaba hace no mucho Diana Krall en concierto en París, los arreglos aquí son diferentes, acercándose más a la voz de Latifah. Otro tema que me tiene robado el corazón es I'm Gonna Live Till I Die, un canto a vivir la vida a tope que ya fue interpretada por Sinatra hace más de 50 años. Una de esas joyitas que no entra en los recopilatorios ni en los grandes hits del crooner por excelencia.

El tema Trav´lin' Light es otra joya escondida aquí. Una balada con orquesta de cuerda que demuestra la sutileza del tono de voz de Latifah. La cover de Nina Simone, I Want A Little Sugar In My Bowl, es relajante y rinde homenaje a la genial Nina. Me sobraría el I'm Not In Love, aunque aquí Latifah le saca un gran partido, demostrando su gran chorro de voz, pero sin mostrarse excesiva como hacen otras cuando levantan la voz (como Celine Dion sin ir más lejos). Al tema I'm Not In Love le cogí manía desde que se lo oí cantar a The Pretenders en Una Proposición Indecente.

En definitiva, ya sea The Dana Owens Album o Trav´lin' Light, estos discos de Queen Latifah demuestran que tenemos una nueva reina del Soul, que llega con un estilo refinado y renovado, y que nos invita a esperar todavía más de ella en el futuro. Hay que tenerlos sí o sí.

I Love Being Here With You

I'm Gonna Live Till I Die

Trav'lin' Light

I'm Not In Love

J. Coltrane

Harry Connick, Jr.: Chanson du Vieux Carré

2007-11-09T18:22:00.000+01:00

Aquellos que siguen teniendo la idea de que Harry Connick, Jr. no es más que un clon de Frank Sinatra no tienen nada más que comprar (o descargar) su último disco para darse cuenta que nada más lejos de la realidad. Chanson du Vieux Carré es el disco que Sinatra no hubiera podido hacer. Él hubiera podido hacer el disco Only You, o incluso Come By Me, pero nunca Chanson du Vieux Carré. En él, el músico de New Orleans demuestra todo su potencial componiendo, arreglando y tocando el piano.

Éste es el tercer disco de la serie Connick On Piano. Y tras Other Hours y Occassion, podría decir que éste es el que me parece mejor de los tres. Por ser más completo y, por qué no, más divertido. La mezcla de Swing y Jazz es tan perfecta que es un disco indispensable en cualquier discografía que contemple el Jazz como centro de todo. Es todo un homenaje al Jazz de New Orleans.

Y Chanson du Vieux Carré es especialmente bueno porque Connick hace lo que mejor sabe hacer, tocar el piano, componer y hacer los arreglos para una big band. En este disco no canta, y eso le hace mucho bien. Nunca me ha parecido un cantante excepcional, mientras que Sinatra sí lo era, Connick es más bien limitado en cuanto a voz, pero no en cuanto a sus habilidades musicales.

En especial, destacaría los temas más potentes del disco como los mejores, como la nueva versión del Someday You'll Be Sorry de Armstrong, o la genial versión del Bourbon Street Parade, que ya incluyera Leroy Jones en 1996 en su disco Mo' Cream From The Crop. Aquí los nuevos arreglos y las voces convierten a este tema en toda una sorpresa.

Sin olvidar los impactantes y orquestalmente intensos I Still Jeaolous, That's a Plenty y Mardi Gras in New Orleans. Ah, y no me quiero dejar el caliente tema I'm Luscious, con la voz de Lucien Barbarin, trombonista de Connick desde hace muchos años. En definitiva, otra pequeña joya que sumada al Oh My Nola, se suma al dúo de discos que Harry Connick, Jr. ha querido lanzar este 2007 en homenaje a su New Orleans natal. Y como muestra de este gran disco:

Someday You'll Be Sorry

Luscious

Bourbon Street Parade

I Still Get Jealous

That's A Plenty

J. Coltrane

El Runaway de La India

2007-10-11T21:54:00.000+02:00

Esta veterana pero jovencísima artista puertorriqueña es, sin duda, una de las voces que más me han cautivado en los últimos años. La descubrí allá por 1997, cuando salió a la venta el disco NUYorican Soul, una sesión excepcional donde los Masters At Work hicieron una mezcla de aristas Jazz, Soul y ritmos latinos que alcanzó su máximo en el tema Runaway de La India.

Nacida Linda Viera Caballero en Puerto Rico en 1970, la India ha colaborado con los DJs Little Louis Vega y Kenny Dope Gonzalez en numerosas ocasiones, prestando su voz para realizar temas Soul y house, que han sido los que mayor éxito han tenido en la discografía de los MAW. Aunque no sólo de ese mundo se ha alimentado la India, sino que en gran medida, su éxito vino por ser reconocida en 1990 como la Princesa de La Salsa, con sólo 20 años, y de manos de la mismísima Celia Cruz. En este estilo ha conseguido diferentes números 1 en las listas de éxitos.

Su unión con Vega y González, o lo que es lo mismo, Masters at Work, ha sido e más provechosa, y le ha valido éxitos tan importantes como la cover del tema I Love The Nightlife, u otras joyas ya clásicas como I Can't Get No Sleep, When You Touch Me, o To Be in Love. La India es de las pocas artistas que puede dar un nivel insuperable aún y cambiado de estilo totalmente. Desgraciadamente, es una pena que esta mujer pierda tanto tiempo cantando salsa, estilo en el que su voz no brilla con la fuerza y la energía que lo hace cuando nos deleita con su Soul y su House.

Y para muestra, la versión reducida del Runaway...

J. Coltrane

The Crusaders: The Golden Years

2007-09-30T22:20:00.001+02:00

Hacía ya algún tiempo que pretendía añadir alguna reseña sobre algún disco de aquellos que son especiales. Con una discografía de casi 850 CDs, tengo muchos discos que son diferentes, que tienen algo que les hace especiales. Y este disco de The Crusaders lo tiene todo. Es especial, es diferente, es genial y además tiene una historia curiosa tras él, porque no llegó a casa como lo hicieron los demás. Todos tenemos pequeñas joyas en nuestra discoteca, y este disco de es una de las mías.

Este increíble triple disco fue la culminación de una discografía llena de éxitos que, a pesar de todo, y ya al final, flojeó un poco. Entre otras cosas porque Joe Sample, pianista y alma del grupo se centró mucho más en su carrera que en dar alas al grupo, cuyas ideas ya parecían estar algo acabadas. El problemas entre el trombonista Wayne Henderson y algunos otros miembros de The Crusaders fue otro de los motivos que hizo que la banda fuera perdiendo fuerza. En estos últimos años ha habido alguna reunión de nuevo, pero los discos han pasado sin pena ni gloria, y la calidad ha bajado sustancialmente.

La cuestión es que me hice con el triple CD en la antigua Virgin Megastore que hubo en Barcelona hace ya unos cuantos años. Cuando lo vi me quedé sin palabras. Tres discos, sus mejores temas, una edición especial y además un folleto explicativo de más de 40 páginas con fotos y la historia del grupo. Tener aquello, en un momento en que Internet era sólo para las películas de ciencia ficción, fue como descubrir todo un mundo nuevo. Y me leí todo el libreto interior varias veces hasta saberme de memoria la historia de The Jazz Crusaders que perdieron el JAZZ por el camino para volver su Jazz más Soul y más cercano a los tiempos que corrían.

Y además, todo ello estaba empaquetado bajo una edición de lujo y con la calidad del prestigioso sello GRP, sello del que prometo haceros un poco de historia en otro post. Así que, a pesar del precio (30 euros del año 1992) y de que parecía que no me lo querían vender, me fui para casa con el disco bajo mis manos. Pero tardé lo mío, porque resultó que tenía precio pero no estaba introducido en la base de datos, así que al ir a pagarlo no me lo podían cobrar. Cosas del directo. Por tanto, lo tuve que dejar en la tienda y esperar a que alguien lo entrara en el ordenador. Tres semanas y varias llamadas después, y ya hasta donde no suena, me fui a la Virgin Megastore para que me vendieran el disco sí o sí. Como seguían sin tenerlo catalogado pedí el libro de reclamaciones y ver a un/una responsable que me dijera que pasaba. ¿El resultado? me fui con mi disco bajo el brazo.

Y ahora, 15 años después (joder), vuelvo a coger al disco, a abrilo y sigo disfrutando de la música de los Crusaders. El famoso Street Life de once minutos de duración se me sigue haciendo corto, y lo mejor es que el resto de los 32 éxitos que contiene la caja, como The Young Rabbits, Way Back Home, Spiral, Keep That Same Old Feeling, Sweet N' Sour, Carnival Of The Night, Last Call, etc. siguen sonando en mi salón con la misma fresura que lo hicieron la primera vez que llegaron a casa allá por 1992...

The Crusaders - Free As The Wind

The Crusaders - Keep That Same Old Feeling

The Crusaders - Put It Where You Want It

The Crusaders - Spiral

The Crusaders - Sweet N' Sour

J. Coltrane

The Whalum Family...

2007-09-21T00:03:00.001+02:00

Simply incredible!!!! Mr. Peanuts Whalum played with Nat King Cole, Miles Davis and Ella Fitzgerald. But, I would like to play my saxophone with my uncle as Kirk do it here with Peanuts Whalum...

J. Coltrane

El Legado de Joe Zawinul

2007-09-11T17:56:00.000+02:00

La muerte, una vez más por el odiado cáncer, de uno de los mejores teclistas de toda la historia, deja a la comunidad del Jazz sin uno de sus referentes en las últimas décadas. Joe Zawinul, (07/07/1932 - 11/09/2007), el músico de origen austríaco, creó una de las bandas de Jazz más influyentes de la historia del Jazz, Weather Report (1970-1985), no sólo por contar entre sus filas a los grandes maestros Miroslav Vitous, Airto Moreira y Alphonse Mouzon (además de él mismo y Wayne Shorter), si no, por el giro que le dieron al Jazz, revolucionando un estilo al que dieron nueva vida.

Otros músicos, de tanta o más calidad fueron reemplazando a los que había en Weather Report, fue el momento del bajista Jaco Pastorius, del baterista Peter Erskine, y más tarde del genial y funky baterista Omar Hakim, así como del bajista Victor Bailey, entre otros... Fue a finales de los 70 cuando, ya en cuarteto (Zawinul, Shorter, Pastorius y Erskine), el grupo gozó de su mayor popularidad.

Con una discografía más o menos continuada desde los años 60 (porque la mezcló con su participación en Weather Report) supo estar a la altura del cambio de rumbo que supo darle al Jazz, al que incorporó elementos de rock en un principio, para luego añadir toques étnicos en su música. La fusión de diferentes elementos marcó la música de Zawinul durante sus 50 años sobre los escenarios. Sin olvidar la cantidad de tipos de teclados (Wurlitzer, Fender Rhodes, sintetizadores, pianos acústicos, etc...) que podía llegar a tocar en directo y en los conciertos, cada uno con sonidos y texturas muy diferenciadas.

En su currículum, tiene colaboraciones tan importantes como las de haber sido pianista de Dinah Washington, Slide Hampton, Harry Edison, Cannonball Adderley, así como del camaleónico Miles Davis, entre muchos otros. Una hoja de servicio francamente formidable. A mediados de los 80, y con la marcha de Wayne Shorter de Weather Report, creó la Zawinul Syndicate, en la que intercaló diferentes músicos en cada uno de sus discos de sesión.

Según la crítica especializada, Dialects, editado en 1986, fue el mejor disco firmado por el propio Zawinul, mientras que Heavy Weather fue su mejor disco con Weather Report. Ahí va un ejemplo del tema más famoso de ese disco, en directo en 1978, en pleno momento de gloria de la banda, llamado Birdland. Todo un homenaje a uno de los mejores:

J. Coltrane

Luis Salinas En Vivo

2007-07-24T20:03:00.000+02:00

Tuve la suerte de poder dusfrutar una vez más de su música en directo. Y van 4. En un escenario fantástico, en pleno Castillo de Castelldefels y frente a la brisa del mar, el genio argentino de la guitarra nos regaló nada menos que cien minutos de virtuosismo sin igual y momentos mágicos de una técnica y una velocidad sin comparación.

Mezclando Jazz con otras músicas de su Argentina natal, como zambas, tangos, chacareras, candombes y demás, el músico de Monte Grande nos ha ofrecido a mano de una guitarra acústica y de una eléctrica una clase magistral de interpretación. Estando arropado por un piano (el de su inseparable Javier Lozano), un bajo y una batería el músico argentino nos ha presentado en primicia en España su nuevo disco Muchas Cosas, del que por cierto, no interpretó muchos temas.

El estilo y el sonido caracterizan a este músico completamente autodidacta, que ha tocado con los mejores músicos de Argentina y del mundo, entre ellos, Adolfo Abalos, Jaime Torres, Horacio Salgan, Djavan, Frank Gamabale, Bob James, Raymundo Amador, Tomatito y muchos más... Tres premios Gardel, las mejores críticas de los mejores músicos y decenas de conciertos en Argentina, España, EEUU, Colombia, Italia, etc. le avalan...

Aquí una pequeña muestra de su arte:

J. Coltrane

Live: Discovering Paul Taylor

2007-07-08T11:26:00.000+02:00

Another incredible sax player that has a special and distinctive sound. He plays, maybe, the most sexy sax sound of all the sax players that I know. He was discovered by the japanese keyboardist Keiko Matsui playing in a Jazz festival and she was in love of his tone and sound. From that moment, the career of Paul Taylor has been growing and growing and he was one of the musicians of the super group The Rippigntons.

Now, he has a new CD on the market, Ladie's Choice. A great compilation of contemporary Jazz music with some great Jazz singers like Regine Belle and Latoya London. The Cd has important contributions, most of all in the production team, which includes the contemporary adult music masters, Barry J. Eastmond and Rex Rideout. This is a sample oh his music and a interview for La Voz de America.

J. Coltane

The Two Sides of Sadao Watanabe

2007-06-24T19:55:00.000+02:00

You could see him playing straight ahead Jazz, contemporary Jazz, bossa nova or any other style (like pop music with Santana), but Sadao always sounds as Sadao. The japanese master sax player has a clear and rich alto sound, full of colors and distinctive everywhere.

In this two videos, you can enjoy him playing two of his favourite styles. Jazz and contemporary Jazz. In both styles you can listen influences of Charlie Parker, but he has been more appreciated in the straight ahead Jazz field.

His contemporary jazz side: Sadao Watanabe - Good News

His straight ahead jazz side: Sadao Watanabe - Secret Love

The Brand New Heavies: Get Used To It

2007-06-17T13:42:00.001+02:00

Si alguien queda todavía en pie de aquel movimiento, que empezó en las calles del Reino Unido, llamado Acid Jazz, ese es precisamente el grupo The Brand New Havies. El pequeño gran cajón desastre de las etiquetas musicales cobijó a decenas de grupos con orígenes y destinos muy diferentes. Una amalgama de grupos y músicos de distinta índole fueron dando forma a este estilo musical que creció casi tan deprisa como desapareció. La mezcla de una buena intrumentación, sonidos bailables, electrónica, y unas buenas voces fueron el punto de partida del Acid Jazz. Si hubo un grupo que supo combinar a la perfección los ingredientes de aquella receta, esos fueron los Heavies.

Por suerte, ya sin la protección de aquella etiqueta, siguen muy en forma algunos de aquellos míticos grupos que hicieron revivir por unos años una combinación maravillosa de los tres pilares básicos de la música moderna: Funk, Soul y Jazz. Mientras la música latina y el pop más comercial iban ganando terreno en las listas de éxitos, grandes grupos como los BNH iban tratando de hacerse un hueco en el difícil panorama musical y en la complicada escena londinese. Encabezados por su vocalista N'Dea Davenport, entregaron tres trabajos impecables entre 1990 y 1997. Momento en el cual la vocalista dejó el grupo para arrancar una carrera como solista.

Y hemos tenido que esperar nada menos que nueve años para que The BNH se unieran de nuevo como lo que fueron, una banda de Acid Jazz (sea eso lo que sea) de los pies a la cabeza. Con N'Dea Davenport otra vez en cabeza, nos han hecho olvidar ese pequeño error que fue la vocalista Nicole Russo, cuando en 2004 decidieron saltar de nuevo a la palestra con Allaboutthefunk. Su primer disco en siete años.

Por suerte esta vez los ingredientes se han mezclado en las mejores proporciones y, con Get Used To It, el tiempo de espera ha merecido la pena. El disco rebosa energía por sus 360 grados. Desde el I Don't Know Why, auténtico hit marca de la casa, donde N'Dea muestra toda su fuerza vocal, hasta el sonido retro de Let's Do It Again (el mejor tema del CD para mi gusto), donde la guitarra de Simon Bartholomew y el bajo de Andrew Levy marcan un ritmo frenético a esta canción.

La instrumentación, una vez más, es de lo más completa. Los metales están presentes prácticamente en todo el disco, dando fuerza y vitalidad a muchos de los temas. La orquesta de cuerda acompaña con sutileza y se mezcla con el resto de instrumentos en otros cortes, como el All Fired Up, un dueto entre N'Dea y Jan Kincaid, el batería del grupo. El disco finaliza con el ritmo pegadizo de I've Been Touched, que se vuelve rockero por momentos. En definitiva, Get Used To It es un gran disco que no debe faltar en ninguna discoteca que pretenda degustar buen Funk.

J. Coltrane

Live: Discovering Gerald Albright

2007-06-12T19:11:00.000+02:00

The sound of this amazing sax player is well recognizable everywhere, he mixes Jazz, soul and funk all together. He has been one of my favourite players since 12 years ago. This is the a live show played on the Java Jazz Festival in Jakarta (Indonesia) in 2006. This festival is always a good opportunity to see the most impresive Jazz musicians playing together. In this case, Gerald Albright shows how He plays his powerful alto sax in the extremely funky song Walker's Theme, in which you can see his group playing with Jeff Lorber, who did a nice keyboards solo. Keep in touch with the sound of his saxophone...

J. Coltrane

Billie Holiday: The Complete Verve Studio Master Takes

2007-06-07T20:37:00.001+02:00

Si le tuviera que buscar un defecto a esta edición especial de Verve sería la presentación con la que se nos entrega la caja. La cuestión es que, para hacer fácil el acceso a los seis discos que contiene la caja metálica, se decidió colocarlos en una especie de acordeón. Eso hace que cada vez que uno quiere sacar un disco tenga que desplegar todo el acordeón, y la verdad, no es muy cómodo.

A parte de ese pequeño detalle, el resto, que es lo importante, es todo impresionante. Hay pocos discos en los que me gastaría 75 euros, pero éste es uno de ellos. Con la calidad de restauración de sonido que Verve siempre acostumbra en sus ediciones especiales, se nos presenta esta edición de seis discos con un total de 100 canciones, y más de seis horas de música. No sé si quizás son las mejores de la época en que Billie Holiday estuvo en Verve (1952-1959), pero desde luego entre ellas están los mejores temas de su carrera. El libreto de 60 páginas de esta edición especial incorpora números de máster y take correspondientes a todos los temas, fotografías inéditas, así como información adicional sobre la cantante de Baltimore.

Esta edición limitada fue precedida por una de diez discos en 1993 que contenía todo lo grabado por la diva en su paso por Verve. Personalmente, a parte de por el precio casi tres veces superior, prefiero la edición corta, por el hecho de que la larga contiene los takes alternativos y algunos grabados en directo. La verdad, a la hora de escuchar la música en el salón de casa, se hace un poco odioso tener que ir saltando temas incompletos o repetidos.

Tras 50 años desde la grabación de algunos de estos temas, siguen tan frescos y brillantes como el primer día. A pesar de que el alcohol y las drogas fueron mermando su voz con el paso de los años, entre estos cien temas de la recopilación podemos encontrar algunas versiones tan increíbles de estándars del Jazz como Easy to Love, Love For Sale, Prelude to A Kiss, Come Rain Or Come Shine, Lady Sings The Blues, Comes Love, But Not For Me, I Wished On The Moon, Sometimes I'm Happy y muchas otras.

Entre toda esta amalgama de temas, encontramos brillando con luz propia a algunos de los mejores músicos de la época, que contribuyeron a hacer esos temas grandes interpretaciones, entre ellos, y por citar sólo a unos pocos tenemos a Harry "Sweets" Edison, Ray Brown, Herb Ellis, Barney Kessel, Chico Hamilton, Ben Webster, Alvin Stoller, Hank Jones, Larry Bunker, etc...

Desgraciadamente la artista nos dejó en 1959, a la edad de 44 años, tras una vida llena de excesos, y debido a problemas de corazón y de hígado. Quizás Billie Holiday no tendría la voz y la técnica de Ella Fitzgerald, pero tuvo algo en su estilo y en su voz que la hizo especial y diferente, y que convierte las canciones que canta en pequeñas obras de arte. Por suerte, desde hace ya algún tiempo, tenemos esta edición especial de Verve que nos permite oírla como nunca antes en el mejor momento de su carrera.

J. Coltrane

Jazz Art: Debra Hurd

2007-06-03T10:50:00.000+02:00

As an art, Jazz was is always a good leitmotif for artists. From painters to sculptors, Jazz has been a fountain of inspiration. Debra Hurd is the kind of painter that loves Jazz. This is reflected in her works, in which Jazz and their musicians are almost always present. Painting about great musicians she can share her love for this amazing music. Look and enjoy...

John Coltrane & Charlie "Bird" Parker

Billie Holiday & Miles Davis

Ella Fitzgerald & Thelonious Monk

Billie Holiday & John Coltrane

If you want to know more about her and her work, please see her web page. There you can read more about Debra, look her impressive work and buy her pictures. An advice, save money if you want one of her pictures, she is no cheap.

J. Coltrane

Kem: Un Músico Diferente

2007-05-31T00:01:00.001+02:00

Hay pocos artistas como Kem. Por su brillante presente pero, sobre todo, por su increíble pasado, Kem es un músico diferente. Nacido, al igual que Sade, en Nigeria, se trasladó pronto con su familia a Detroit, donde pasó toda su infancia. La ciudad que fue cuna del sonido Motown en los '60, lo ha visto crecer y desarrolarse como artista.

La vida de Kem en Detroit ha estado llena de dificultades. Completamente olvidado por su familia se resguardó en el mundo de las drogas, lo que le llevó a una adicción que le hizo perder todo lo que tenía. Incluso terminó durmiendo como un mendigo en los bancos de los parques de la ciudad.

Creer en Dios le dio la fuerza necesaria para superar las dificultades que estaba viviendo. Al poco tiempo empezó a cantar en bodas para poderse financiar la producción de su primer disco (Kemistry), que produjo y compuso él mismo. Cuando Motown escuchó Kemistry en 2002 no dudó un momento en ofrecerle un contrato de grabación de 5 discos.

Quizás fue su sonido soul con tintes Jazz, su fraseo relajado, o quizás que es uno de los pocos cantantes con un rango de cuatro octavas lo que hizo que Motown se fijara en él. Pero sea como fuere, la discográfica reeditó Kemistry en 2003, consiguiendo unas ventas estimadas de 500.000 unidades sólo en Estados Unidos. El primer single, Love Calls, se situó en el Top-25.

Demostrando que Kemistry no había sido simple casualidad, en 2005 editó Album II, otra maravilla con 11 joyas en forma de canciones, compuestas y producidas enteramente por él, que demuestran que Kem sigue en plena forma. Con la que fuera sección rítmica del guitarrista Earl Klugh, Kem ha construido un disco lleno de matices y letras para reflexionar, que lo convierten en uno de los mejores trabajos de 2005. Pero Kem, queremos más... (http://www.kemmusic.com)

J. Coltrane

Sanborn & Gillespie In Concert

2007-05-26T03:09:00.000+02:00

Here we have one of my favourite alto sax, David Sanborn, playing together with one of the best trumpetist of all time, Dizzy Gillespie. Sanborn uses not to play with straight ahead Jazz players, so this is a rare concert. I recognize here, the incredible Omar Hakim playing drums and the great Marcus Miller. Sanborn alto sounds so clean and pure. Enjoy it!!!

J. Coltrane

Madeleine Peyroux: Half The Perfect World

2007-05-22T18:43:00.000+02:00

It's been two years since I've listened Madeleine in a small bar in my city. I was taking a drink with a friend and then Dance Me To The End Of Love came to me as a fresh breeze. I was amazed by her voice, like if the great Billie Holiday came back after 50 years died. From that moment I've been buying all her releases as soon as I could. Her last one, Half The Perfect World is a gem that needs to be adored. In september 2006 the new CD was on the street with 12 acostincs songs, including some Jazz standards , pop songs and 4 new compositions by herself.

In the same way that Norah Jones and Diana Krall, Peyroux enlarges the roster of the fashion Jazz/Pop divas, and she knows how to do it. More jazzy than Norah Jones, but less than Diana Krall, Peyroux offers us a mature CD with good compositions and very good musicians, including some Jazz old stars. I've amazed watching Dean Parks playing guitar again after some years in the dark side of the music business. Is good to see too, keyboardist Larry Goldings and bassist David Piltch. A good guest star for the radio air play is the folk singer K.D. Lang.

A good start is I'm All Right, maybe the swingest song of the compilation, in which she sings over a subtle Hammond Organ, and lets Dean Parks's guitar shine as bright as he knows. The Summer Wind is the Jazz composition by Johnny Mercer chosen by Peyroux to show how she sings a standard, and a good chance to listen Gary Foster's dreamy alto sax sound.

Sam Yahel's Hammond organ sounds bright in Blue Alert, a Leonard Cohen's coposition that, sounds really nice on Madeleine's voice. Forgetting Everybody's Talkin' cover is the only thing we can do, even though the new arrengements are completely different to the original song. Another good option to enjoy Peyroux's style is A Little Bit, in the same way that the first song of the album, but with Dean Parks on a guitar not so clean as there.

Another slow tempo song is Once In A While, in which music flows over a string quartet that gives a melancholy side to the song. Half the Perfect World offers more Gary Foster's alto sax that combines perfectly with the delicate voice of Peyroux, who fuss over every word of the song. Don't forget the last composition of Peyroux, California Rain, with a nice wurlitzer solo work by the great Larry Goldings.

This is a very good CD in which Peyroux shows that she is still learning and shows that she can give us much more, as a singer and as a composer. We can find really good compositions here. But we want more lady.

J. Coltrane

The Jazz, Funk & Soul Hideaway

2007-03-20T19:22:00.000+01:00

Hi everybody:
This is my new blog. Definitely, the blog I wanted to do. Only about music. It's my hideaway, my place to write about the most important thing in my life: Music. Music is about feelings, and doesn't matter the language, if it's instrumental or not, or the style, because when a song catches you, it'll be with you forever, and you can't do nothing. Memories, moments, feelings, laughs, cries, and more and more is what you can feel listening music.

In this blog, I want to offer you my view and my feelings about music. Not all the music makes me feel something, as in your case too, I suppose. Some years ago, when I was 16, Jazz came to my life. As many things in life, it came as a pure coincidence. I was a lover of instrumental music, mainly new age, and pop music. But one day, my brother came from the library with a CD of the Crusaders. And this started all. It's so simple. It was the beginning of a long love story. From that moment, I've been buying and buying music without stop.

The reason of this blog is, finally, to share with you all the things I think about music. To show what I like and discover new things. To do my own reviews of groups, CDs, songs and write my toughts could be useful for those who are interested in music. Jazz, Funk, Soul, Gospel, Acid Jazz, Flamenco, Swing... and all the good music that you can imagine will be in this blog just for you (and me), and I hope you'll like it.

J. Coltrane